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Com o enredo “Macumbembê, Samborembá: Sonhei que um Sambista Sonhou a África”, a Vila Isabel foi a segunda escola a pisar na Sapucaí na última noite de desfiles do Grupo Especial, com o tempo de 78 minutos.

COMISSÃO DE FRENTE

Coreografada por Alex Neoral e Márcio Jahú, a comissão traduziu poeticamente o argumento central do enredo, que é a mistura entre samba e macumba, sob os olhos encantados de Heitor dos Prazeres. De início, os componentes vestidos com as roupas de carnaval dos antigos ranchos, as mulheres com vestidos brancos e os homens com batas e capas. E Heitor, de chapéu de malandro, no meio. Heitor subia no elemento alegórico, cujo conceito estético evocava os fazeres do artista, com peças de marcenaria, objetos afetivos e estruturas de ferro aparente, mas, dentro da proposta, tudo pintado à mão. Deu-se a transformação de um ateliê, o íntimo e infinito universo do artista sonhador, em um terreiro.

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Os componentes também tinham as cores de suas roupas transformadas, começando a pintar o colorido de Heitor. Depois, uma enorme paleta surge com toda a iluminação, enquanto os componentes trocam de roupa mais uma vez, constituindo-se em ogãs. Nos buracos da paleta surgem tambores, e os ogãs tocam, com cada couro mudando de cor através da iluminação. No final, surge a coroa da Vila Isabel. Comissão bem conceituada e bem executada. Ótimo uso do elemento cenográfico, que se transformava diversas vezes. Bailado no chão excelente e proposta do enredo bem contada.

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MESTRE-SALA E PORTA-BANDEIRA

Em seu retorno à escola, Raphael Rodrigues e Dandara Ventapane representavam Oxum e Xangô, santos de cabeça de Heitor dos Prazeres e forças que guiaram a sua trajetória, conforme narrado por seus familiares. Simbolizavam, também, o encontro entre a Vila Isabel, pelo pavilhão desfraldado, e o homenageado, já que ambos os orixás têm fortes vínculos com a escola: Oxum, representada pela porta-bandeira Dandara, com saia adornada por espelhos (abebês) e pincéis; e Xangô, representado por Raphael, com elementos associados às divindades representadas, ressignificando-os a partir do diálogo com referências específicas ao universo temático de Heitor, daí o porquê da presença dos pincéis, que simbolicamente coloriram de ouro as penas e as estampas que compõem as vestes.

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Em sua coreografia, a dupla começou desfraldando o pavilhão e fazendo mesuras e o cortejo do mestre-sala. Em seguida, Dandara começou a fazer os giros em um pequeno espaço de tempo, realizando quase 20 rodopios, finalizando com uma bandeirada. Enquanto isso, o mestre-sala fazia seus riscados, utilizando muito bem o espaço de apresentação. Depois, Raphael fez seu riscado virado para o júri. Em seguida, uma sequência de giros sincronizados dos dois e mais uma bandeirada de Dandara. E o plus: no refrão final, o passo afro de Raphael, dançando para os orixás. Apresentações irretocáveis nas cabines e sem intercorrências.

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ENREDO

Leonardo Bora e Gabriel Haddad trouxeram para a Sapucaí a obra do multiartista Heitor dos Prazeres a partir do sonho. A proposta não foi trazer o sonho referindo-se a uma experiência do dormir, mas a um modo de fabular o mundo a partir da vida cotidiana, da festa, da fé e das experiências coletivas. Essa compreensão aproximou a obra de Heitor dos Prazeres da própria lógica das escolas de samba, entendidas como espaço de imaginação compartilhada, celebração da ancestralidade e afirmação da identidade negra. O desfile foi aberto com a infância de Heitor dos Prazeres entre os ranchos carnavalescos ligados às casas de Tia Ciata e Tio Hilário.

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O brilho desses cortejos, observado ainda menino, antecipou o artista, o brincante e o sujeito do samba que ele se tornaria. O segundo setor mostrou Heitor sendo iniciado nos terreiros e passando a frequentar especialmente a casa de Tia Ciata, onde se torna ogã, responsável pelos tambores e pelo canto. Nesse espaço, diferentes manifestações culturais, cirandas, jongos, maracatus, cateretês, se encontraram, formando o caldo que daria origem ao samba. Em seguida, a escola mostrou a troca do piano pelo cavaquinho, que marca a afirmação de Heitor como sambista nos anos 1920. Entre a Festa da Penha, disputas de autoria e circulação pela cidade, ele foi se consolidando como compositor, músico e personagem central do universo do samba.

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O setor apresentou também o modo de vida boêmio, a confecção e pintura dos próprios instrumentos, a noite carioca, os cabarés e as paixões que atravessam sua trajetória artística. Depois, a Vila colocou o homenageado se afirmando como compositor de carnaval, vencendo o concurso de Zé Espinguela em 1928 e convivendo com figuras como Paulo da Portela, Cartola e outros fundadores das primeiras escolas de samba. O último quadro do desfile apresentou Heitor como artista reconhecido além do samba: cenógrafo, figurinista, radialista, compositor de trilhas, participante da primeira Bienal de São Paulo e representante brasileiro no Primeiro Festival Mundial de Artes Negras, em Dakar. Nesse ponto, sua trajetória se cruzou com a da própria Vila Isabel. Em 1966, ambos chegaram ao Senegal levando seus filmes — Heitor dos Prazeres e Nossa Escola de Samba, registro do carnaval que levou a escola ao Grupo Especial. Enredo bem estruturado, com boa leitura, criativo e que conseguiu trazer para a Avenida, com justiça, a vida e a obra de um multiartista.

EVOLUÇÃO

A evolução da Vila foi quase perfeita. Com muita desenvoltura pela pista, a escola empreendeu um ritmo muito forte desde os primeiros minutos de animação, com muitos componentes pulando, mesmo com as fantasias com volumetria característica de Gabriel Haddad e Leonardo Bora. Sem optar muito por alas coreografadas, mas fazendo um trabalho muito organizado na pista, a Vila só teve um senão neste desfile. Abriu buraco na pista no último setor, bem na frente do módulo, quando o quarto carro demorou a se movimentar e a ala bem à frente foi embora. Deve ser despontuada, mas foi o único módulo e a única questão encontrada neste quesito pela equipe do CARNAVALESCO, o que significa que, sendo em um módulo só, deve ser descartada. Nos outros módulos, nenhum problema foi encontrado.

HARMONIA

O carro de som comandado por Tinga, depois de estar um pouco mais abaixo nos últimos carnavais, aproveitou muito bem o samba tão festejado no pré-carnaval e teve uma atuação digna dos melhores tempos, mostrando que o intérprete e suas vozes de apoio são patrimônio do carnaval carioca. De forma bem clássica, o trabalho foi pautado na potência e na correção, sem muitas figuras; as vozes apenas aproveitaram para colocar o samba bem assentado. Tinga, a todo momento, convocava o componente e também o público a cantar a obra. Fizeram isso de forma excelente, dando protagonismo ao samba e aos componentes. E a comunidade cantou muito, o tempo todo. Excelência e potência no quesito.

SAMBA-ENREDO

A Vila Isabel trouxe para a Avenida o celebrado samba dos compositores André Diniz, Evandro Bocão e Arlindinho Cruz. A cabeça do samba é diferente, com notas mais retas, o que dá todo charme, lembrando as obras de Martinho da Vila e também sambas de roda, como no trecho “Macumba é samba e o samba é macumba / pode até fazer macumba / só não pode separar” e depois novamente no trecho posterior até “florescer”. Esse recurso deu charme à obra e lhe conferiu caráter único na safra.

No refrão principal, mestre Macaco Branco colocou toque para os orixás, com o ijexá para Oxum e o alá para Xangô, além de uma bossa de pegada afro na cabeça do samba. Também houve a bossa de tambor no refrão principal, que estimulava mostrar o canto do componente. Alto rendimento de um samba que foi festejado quando escolhido; depois, duvidaram no pré-carnaval, mas que fez uma apresentação de alto nível na Sapucaí. O andamento mais à frente não estragou a personalidade do samba; ao contrário, conferiu-lhe a energia que uma obra como o samba-enredo precisa ter para inflamar a Sapucaí.

FANTASIAS

O conjunto estético da Vila Isabel mostrou muito da característica de Bora e Haddad, sendo muito fiel imageticamente à característica intrínseca da Vila Isabel e também trazendo o colorido de Heitor. Todas as fantasias tinham muito da paleta de cores do artista, sem se tornar chato, monótono ou monocromático. Trabalho de alto nível da dupla, com marcas que já são deles, como criatividade nos figurinos e utilização de alas com dois tipos de vestimentas. A escola abriu o desfile com suas cores em azul e branco, com uma pitada de dourado nas alas “Pedaço Baiano” e “Novos Ranchos”. O segundo setor começou a trazer o colorido de Heitor, mas ainda abordando uma estética mais do início do século, passando por alas como “Cirandas” e “Cateretês”, e afro, com o uso de palha ao falar da iniciação do homenageado nos terreiros.

Fechando o setor em dourado, com velas nos chapéus, as baianas. O terceiro setor trouxe uma escola ainda mais colorida, colocando muito do azul e referências à música, como notas, claves e imagens de instrumentos. A ala “Samba que nem passarinho” trazia balões coloridos. O quarto setor trouxe estética clássica carnavalesca ao citar os sambas que Heitor ganhou, como a ala “Invenção de Bandeira”, que trazia pavilhões de escolas de samba, e a ala “Me Vesti de Baiana”, que trazia os antigos estandartes. Outra vez, um setor muito colorido. No último setor, as fantasias traziam algumas referências aos outros talentos, como vitrolas. E, mais para o final, referências mais afro ao retratar sua relação com a África. Daí voltam os tons de palha, como na ala “Sambas, Sambas, Macumbas”. O único ponto a ser citado foi a dificuldade de algumas baianas com chapéus que pareciam que iam sair, mas foram consertados pelos apoios de harmonia.

ALEGORIAS

O conjunto alegórico levado à Sapucaí por Gabriel Haddad e Leonardo Bora constituiu-se de cinco carros e três tripés. Muito característico da dupla, com muito volume de composições, mas também com estética que conseguia trazer Heitor, sua arte e a ancestralidade da Vila. Alguns pontos a serem citados foram um balaústre não muito bem encaixado no abre-alas, que não chegou a comprometer a alegoria. O abre-alas, aliás, representou um rancho, com a tradição carnavalesca, apresentando-se como o cenário que Heitor via quando criança, desfilando nos ranchos.

A alegoria tinha todo um trabalho artesanal que envolvia diferentes frentes de criação, como escultura, carpintaria, pintura e produção de joias cenográficas. Com efeitos de água e esculturas de muito apuro estético, nos tons da escola, mas bem assentado no dourado e no estilo barroco, foi um dos carros mais bonitos que passou pela Sapucaí nesta noite. O segundo carro constituiu-se em um terreiro que se expandia como metáfora da própria cidade: a cidade como grande terreiro, onde música, religiosidade e convivência se misturam. A alegoria, a partir dessa ideia, assumiu teor onírico, com a figura-síntese de um casal de pretos-velhos. A festa da macumba continuou no segundo andar do carro e se espalhava pelas laterais, onde se viam os orixás paramentados, além de macumbeiros cujas roupas, cores e formas eram inspiradas nos traços de Heitor. Composições vinham tocando tambores.

Na terceira alegoria, “A Festa da Penha”, local em que o homenageado se tornou um sambista reconhecido e aclamado, o carro ganhou contornos amenos e românticos, quase circenses, evocando o colorido das pinturas de Heitor que retratavam serenatas, feiras, saraus e rodas de samba. Na parte traseira, havia um botequim. Em cima, o retrato da Igreja da Penha e balões coloridos.

O quarto carro trouxe o perfume dos antigos carnavais por meio de um sonho nostálgico. A alegoria apresentou uma auto-homenagem, uma vez que se tratava da quadra da escola do bairro de Noel, no Boulevard 28 de Setembro, localizada em uma antiga estação de bondes. Na frente, o pulsante bonde da Vila e, na parte de trás, a presença do gigantesco pierrô, menção à mais conhecida das marchinhas de Heitor.

A última alegoria do desfile da Unidos de Vila Isabel celebrou o encontro de Heitor dos Prazeres, e da própria Vila, com as muitas Áfricas que coexistem no imenso território africano, algo possibilitado graças à ida de Heitor ao Primeiro Festival Mundial de Artes Negras, realizado em Dakar, no Senegal. No carro, que fundiu a estética do quilombo e da favela, havia uma escultura que segura lanças-pincéis, representando a altivez de Heitor, artista e ativista à frente de seu tempo, uma adaptação carnavalesca dos bustos de bronze e terracota iorubanos, originários de Ifé, na Nigéria. Tapeçarias bakuba e referências a diferentes nações africanas vieram na parte frontal do carro, compondo uma visão majestosa. Na parte superior, o símbolo do festival se fundiu aos pensadores angolanos, imagem utilizada no antológico Kizomba. Referências à Kizomba.

OUTROS DESTAQUES

A “Swingueira de Noel”, de mestre Macaco Branco, veio de “Pintores”, com pintura artesanal na fantasia e com os chapéus de cores diferentes, e a rainha Sabrina Sato representou as tintas que dão cores aos sonhos pintados por Heitor dos Prazeres. A ala de passistas veio com a fantasia “Jogo e Sedução”, representando de forma boêmia o bairro de Noel Rosa e da própria escola, no universo frequentado e retratado por Heitor dos Prazeres.

No esquenta da Vila, Tinga cantou “Zé do Caroço” e o samba de exaltação “Sou da Vila Não Tem Jeito”. As baianas representavam, por um lado, a fusão de referências culturais que transformaram os pandeiros em símbolo de brasilidade; e, por outro, a relação de Heitor dos Prazeres, o ogã Alabê-Nilu, com o matriarcado dos terreiros. Martinho da Vila veio mais uma vez no início da escola, no Pede Passagem, “Assentando o Fundamento”.

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Com o enredo “Rita Lee, a padroeira da liberdade”, desenvolvido pelo carnavalesco Renato Lage, a Mocidade abriu a segunda noite de desfiles do carnaval carioca com o tempo de 80 minutos.

COMISSÃO DE FRENTE

Mais uma vez liderada por Marcelo Misailidis, a comissão apresentou Rita Lee como sinônimo de tudo aquilo que não tem limite no imaginário, do que representa uma mulher livre, independente e contestadora, alguém que se permitiu viver fora de padrões preestabelecidos, enfrentando a resistência e desafiando o sistema político e de comportamento. Dessa forma, a comissão propôs uma abertura falando da artista, relacionando a mulher real e sua história ao ficcional de sua obra. A apresentação se inicia com um cortejo hippie e Rita seguindo com o jipe de que ela gostava muito e que comprou do pai. Enquanto essa trupe dançava, Rita e o jipe eram escondidos por algumas torres grafitadas com a imagem dela e outras palavras. Quando as torres se afastam, Rita reaparece com roupa de presidiária, agora envolta por grades e com soldados batendo nelas.

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O ponto toca sobre o embate entre a cantora e a ditadura militar, que buscava censurar as suas músicas. Nesse momento, a iluminação dá o clima quando o foco fica só na personagem e o restante totalmente escurecido. Então, das torres, surgem bruxas em bicicletas altas, evocando o misticismo de Rita e, no final, a iluminação diminui, e o fascínio da cantora pelos mistérios do universo é representado quando as grades da prisão se dobram até formar um disco voador, com Rita tocando guitarra. Pelo segundo ano consecutivo, Misailidis buscou uma comissão mais no chão, sem elemento cenográfico gigante, mas colocando outros recursos na apresentação. A narrativa da comissão buscou sintetizar o enredo, colocando traços que seriam apresentados depois no próprio desfile. A comissão teve leveza e graça, ainda que não tenha se utilizado de muitos recursos especiais. A execução também teve alguns problemas, como o não funcionamento total das câmeras que faziam parte da apresentação no primeiro módulo, além do travamento das engrenagens que não permitiu que a moto saísse da torre.

MESTRE-SALA E PORTA-BANDEIRA

O primeiro casal de mestre-sala e porta-bandeira da Mocidade, Diogo Jesus e Bruna Santos, veio para a Avenida vestido com fantasia inspirada na arte psicodélica dos anos 1960, movimento que mistura cores vibrantes e intensas para criar a sensação de alucinação visual. Psicodélicos, coloridos, em azul, rosa, vermelho, laranja e traços quadriculados em preto e branco, Diogo Jesus e Bruna Santos abriram o cortejo da Mocidade com coreografia em passos que pontuavam a letra do samba. A coreografia se iniciou com a dupla já girando junta, de mãos dadas, e depois separada, com Bruna brilhando no giro com o pavilhão.

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Após a apresentação do pavilhão, a dupla fez uma passada coreografada, como que dando pisadinhas mais firmes, um indo em direção ao outro e depois para o lado. Depois, após um momento de maior intensidade nos giros, a dupla voltou a se procurar e se aproximar para mais uma sequência intensa de giros separados e, em seguida, o giro de mãos dadas. Houve ainda mais um passo coreografado até os últimos giros e a bandeirada de Bruna. Excelente apresentação nos módulos, com força e intensidade, com o casal se procurando o tempo todo e com os passos bem sincronizados. Mais um ano de apresentação em alto nível da dupla.

ENREDO

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“Rita Lee, a padroeira da liberdade”, desenvolvido pelo carnavalesco Renato Lage, incumbiu a Mocidade Independente de Padre Miguel de assumir a responsabilidade de reverenciar, na Avenida, o legado de uma estrela indispensável à história do rock, da música e da cultura brasileira. A escola apresentou na Sapucaí todas as fases da artista: provocadora, espiritualizada, libertária, verborrágica, irônica, crítica, debochada, rebelde e profundamente amorosa.

O primeiro setor representou o nascimento artístico de Rita Lee e a primeira grande ruptura que ela provocou na música e no comportamento brasileiro. É o momento da explosão criativa, da psicodelia e da contracultura, em que Rita surge jovem, coletiva e ousada, transformando a música em atitude, estética e comportamento. Depois, a escola celebrou Rita Lee como um dos grandes símbolos do Tropicalismo, movimento que uniu música, artes plásticas, teatro e cinema em uma luta estética e política por liberdade em meio à ditadura.

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O terceiro setor retratou o período em que Rita Lee enfrentou diretamente os limites impostos pelo poder, pelo conservadorismo e pelas tentativas de silenciamento, sem se reduzir apenas à ditadura. Em seguida, a Mocidade apresentou Rita Lee transformando a música em um espaço de consciência, afirmação e emancipação da mulher. No setor seguinte, a escola mostrou que Rita Lee levou a liberdade para outro território: o da experiência sensorial, do prazer e da festa, onde a sexualidade deixa de ser discurso e se transforma em vivência. O setor seguinte revelou as muitas faces de Rita Lee: a roqueira, a mística, a ativista, a escritora, a defensora dos animais, a aliada das minorias e a observadora crítica do mundo.

O encerramento foi com Rita Lee transformando o rock em samba e a música em festa coletiva, unindo riso, dança, ironia e alegria popular. Justa homenagem a essa grande artista, passada com muita leitura, de forma didática por Renato Lage. Sem fazer muita firula, focou em contar a vida e a obra de Rita, até de forma bastante cronológica, propondo no final uma relação entre a artista e o carnaval por meio da música “Lança Perfume”.

EVOLUÇÃO

A evolução da Mocidade, diferentemente do ano passado, foi bastante problemática. Ainda no início do desfile, a escola deixou um buraco considerável no setor 4, quando o segundo casal e a ala à frente da bateria foram e a bateria ficou, dando visão principalmente para o jurado do módulo 1, mas também para os jurados da cabine espelhada. Além disso, sem nenhuma explicação de problemas com alegorias ou outra coisa parecida, por mais de uma vez a Mocidade ficou parada por muito tempo.

Uma pena, pois os componentes vinham, antes desses problemas, desfilando com muita garra, com muita vontade, além de alegria e no tom que o desfile pedia: irreverente, leve e para cima. Mas, no quesito, a Mocidade provavelmente vai deixar décimos preciosos.

HARMONIA

Um dos pontos positivos da Mocidade foi o canto da comunidade. Como nos ensaios, a escola comprou a ideia de um samba leve, para cima e alinhado ao enredo. Cantou bastante durante todo o desfile, principalmente nas primeiras alas, que passaram mais tranquilas na Sapucaí. Houve uma diminuição de intensidade só no final, quando a escola já chegava à dispersão, mas nada que comprometesse o rendimento desse ponto na nota de harmonia.

O carro de som, comandado por Igor Vianna, trouxe musicalidade e, principalmente, a presença feminina das vozes de Milena Wainer, Viviane Santos e Roberta Barreto, algo já característico da escola. Há alguns carnavais, a agremiação tem trazido esse time de vozes femininas com volume, contrastando com o intérprete oficial. E foram, mais uma vez, muito bem, abrilhantando a parte harmônica. Já Igor, em sua estreia na Verde e Branca da Zona Oeste, mostrou sua grande relação com a agremiação, sempre buscando animar o componente por meio de bons cacos e gritos de animação. O único ponto a ser colocado foi que, nos momentos de notas mais altas do samba, o cantor teve um pouco mais de dificuldade, passando mais reto, em contraste com as vozes de apoio, que seguraram bem.

SAMBA-ENREDO

O samba que a Mocidade levou para a Avenida teve como compositores Jeffinho Rodrigues, Diego Nicolau, Xande de Pilares, Marquinho Índio, Richard Valença, Orlando Ambrósio, Renan Diniz, Lauro Silva, Cleiton Roberto e Cabeça do Ajax. Leve e irreverente como a homenageada, a obra teve rendimento satisfatório para o desfile, sendo bastante cantada pelos componentes e tendo resposta positiva do público. Muita gente nas frisas e arquibancadas interagiu com a Verde e Branca.

Na cabeça, em “Um belo dia resolvi mudar”, as cordas faziam uma levada mais pop rock, de forma bem sutil, sem atrapalhar a obra. Destaque para o refrão principal, que começa aludindo na melodia e métrica à música “Venenosa”, mas depois vai para outro campo harmônico. Este foi muito cantado pelo público e ainda com mais força pelos componentes.

ALEGORIAS

O conjunto alegórico da Mocidade foi composto por seis carros e um tripé. Renato Lage levou para a Sapucaí carros de muito conceito, bem executados e com estética muito bem relacionada à homenageada, pontuando cada parte do desfile. Um desfile diferente até dos trabalhos recentes do carnavalesco. Carros leves, com leitura, irreverentes, com bom uso de luz e visual psicodélico. Porém, com alguns pequenos problemas de acabamento em alegorias específicas.

No abre-alas, a Mocidade celebrou a chegada da cantora ao cenário da música brasileira, quando ela fez história ao se tornar a primeira mulher a liderar uma banda roqueira no Brasil. No carro, uma explosão de cores e luzes, vários elementos de alucinação psicodélica, como discos hipnóticos, borboletas, camaleões, cogumelos e símbolos da colorida cultura hippie. Na parte da frente, Rita Lee, e nas laterais, o recurso de arte cinética com o giro de formas.

No segundo carro, a escola apresentou Rita como uma das principais figuras do Tropicalismo. De bom nível de cores, a alegoria teve problema em uma escultura de abacaxi que não mostrava estar bem encaixada. No terceiro carro, havia uma grande prisão, o Xadrez 21, para onde Rita foi levada por suposta posse de maconha. Na frente, a Ovelha Negra e, nos lados, esculturas de soldados. A alegoria tratou do embate da artista e sua obra com a censura e a ditadura militar.

O quarto carro mostrou como as músicas e a própria imagem da artista desafiaram tabus diante da sociedade e do patriarcado, tratando dos anseios femininos sem culpa, sem limitações e sem estereótipos. O cenário da quinta alegoria era um castelo medieval, com direito a candelabros, vitrais, gárgulas e uma linda lua cheia. Veio para exaltar um dos clássicos de Rita Lee: a sensual e erótica “Doce Vampiro”. O último carro trouxe uma visão cenográfica dos antigos carnavais, nas cores da escola. O tripé “Paixão pelos Animais”, que vinha no último setor, esteve um pouco abaixo do excelente conjunto alegórico da Mocidade.

FANTASIAS

As fantasias também apresentaram bom nível, ainda que um pouco abaixo das alegorias na questão de acabamento. Produziram ótima leitura do enredo, foram muito bem trabalhadas nas paletas de cores e eram bastante irreverentes, algumas até engraçadas, dialogando com a leveza que Rita tinha.

A ala “Psicodelicamente Lisérgico” inaugurou o desfile com muito colorido e psicodelismo. O segundo setor, sobre o Tropicalismo, trouxe colorido e abusou de verde e amarelo, como visto nas alas “Parangolé” e “La Miranda”. No terceiro setor, as cores cítricas apareceram para contar o lado mais questionador de Rita, e a famosa música “Ovelha Negra” foi retratada de forma irônica, aparecendo toda de branco.

A partir do quarto setor, o rosa se fez mais presente ao falar da carreira solo de Rita Lee e das características visuais, de moda e personalidade da artista. Na fantasia “Toda Mulher é Rita Lee”, as mulheres vinham com os famosos óculos da cantora. No quinto setor, o rosa seguiu intercalado com cores cítricas, como na excelente ala “Bonita e Gostosa”, que tinha até seios cenográficos acoplados à fantasia, satirizando o poder do patriarcado. Depois, uma das alas mais legais do desfile, “Mulher Vampiro”, homenageando “Doce Vampiro”, música da artista.

O penúltimo setor falou do misticismo e das curiosidades de Rita, quando o roxo voltou a fazer parte na ala das baianas e na ala da frente “Alô, Alô, Marciano”. A Mocidade encerrou o desfile com colorido, tons mais leves e irreverência, como na ala “Quero Mais Saúde”, e, antes da última alegoria, a ala “Circo”, com estética de palhaço e balões amarrados no costeiro, foi uma das mais belas do desfile.

OUTROS DESTAQUES

A ala de passistas traduziu, em movimento, a liberdade feminina celebrada por Rita Lee, onde corpo e emoção caminharam juntos com identidade. Inspirados pelos versos “Eu fico pensando em nós dois… Cada um na sua”, em verde e dourado, deram o show de sempre no samba no pé e na beleza.

A “Não Existe Mais Quente”, de mestre Dudu, veio para a Avenida vestida de Eros, o deus do amor na mitologia grega. A fantasia trazia um estilizado clâmide (o manto grego mais curto), com asas que representam Eros. A rainha Fabíola de Andrade representou Afrodite. Nas apresentações nos módulos, a bateria trouxe um efeito visual ao soltar balões em formato de coração.

As baianas da Mocidade representaram uma feiticeira rompendo com estigmas ao afirmar que “nem toda feiticeira é corcunda”. Mística por natureza, a cantora dizia que toda feiticeira tem um gato preto — símbolo do instinto, da liberdade e do saber ancestral. No adereço de mão, o gato deixou de ser mau agouro e passou a ser cúmplice.

No esquenta, Igor Vianna cantou clássicos da discografia da Mocidade, como “Sonhar não custa nada” e “Vira, Virou”.

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Com o enredo “Tucuju – O Guardião da Amazônia Negra”, a Estação Primeira de Mangueira foi a última escola a pisar na Sapucaí nesta primeira noite de desfiles do Grupo Especial, com o tempo de 79 minutos.

COMISSÃO DE FRENTE

Com coreografia assinada por Lucas Maciel e Karina Dias, em “Te Invoco do Meio do Mundo”, animais sagrados e uma árvore erguida ambientavam o público com a Amazônia Negra, território afro-indígena do extremo norte do Brasil. No momento ritualístico, os povos originários tomavam o caxixi, bebida responsável pelo transe, e passavam a celebrar os seres de Outro Mundo. Essas energias se apresentavam entre os planos físico e espiritual, fundindo realidades diante dos tons e das texturas do encanto tucuju. Saudando a natureza e as forças ancestrais, aquele que é seu maior representante foi invocado e tomou o espaço. O Xamã Babalaô, guardião dos povos, da cura e das culturas amapaenses, apresentou-se como a forma encantada de Mestre Sacaca. Embrenhado em sua Amazônia, o personagem seguiu vivo como natureza pulsante.

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Na apresentação no módulo, o Xamã Babalaô, ao ser invocado, apareceu na árvore e realizou um efeito de luz em suas asas, como se manuseasse o fogo. Ao final, surgia Yá Benedita. O elemento cenográfico, constituído por uma árvore centenária gigante, era de fato muito bonito, e a ideia dos animais, das onças, era interessante, além do trabalho de luz do Xamã. Porém, na cabine espelhada, a comissão não conseguiu encontrar um modo de se apresentar simultaneamente. Na parte em que o Xamã aparecia, ele surgia apenas para um lado e fazia o truque de luz, enquanto, no outro, o jurado via apenas a dança dos componentes ao redor da árvore, com o elemento cenográfico sem aproveitamento por muito tempo. Assim, cada jurado ficou um bom tempo com a árvore à frente sem que nada acontecesse. Ponto negativo de uma ideia interessante, que passou melhor no primeiro e no terceiro módulo.

MESTRE-SALA E PORTA-BANDEIRA

O primeiro casal de mestre-sala e porta-bandeira da Estação Primeira de Mangueira, Matheus Olivério e Cintya Santos, coreografado por Ana Paula Lessa, veio inserido na abertura do desfile da Verde e Rosa, personificando os participantes indígenas do Turé. Os figurinos da dupla, belíssimos, com a parte de baixo trabalhada no marrom-escuro em contraste com as pedras coloridas e a estética indígena, trouxeram referência ao trabalho plumário e às padronagens inspiradas nas artes dos povos originários dessa região, representando, de forma carnavalizada, os participantes que integram esse ritual, apoiando os pajés em diferentes missões.

* Sairé: o toque indígena do Carvão ecoa na Avenida da Estação Primeira de Mangueira

A coreografia foi forte e intensa, justificando o apelido de “Casal Furacão”, com Cintya colocando em prática todos os seus artifícios nos giros, para os dois sentidos, inclusive aquele em que inclina o corpo. Matheus também executou seus passos característicos, com uma dança que remete muito ao mestre Delegado, honrando o legado do sambista histórico. A apresentação foi muito boa no primeiro módulo, mas não teve perfeição no segundo, justamente no espelhado, quando, na segunda sequência de giros, a porta-bandeira estende a bandeira e o mestre-sala hesita e não a segura de primeira, precisando dar mais de um toque no pavilhão. Uma pena pela apresentação forte que a dupla fazia. Já no terceiro módulo, tudo certo.

• Ala da Mangueira transforma Mestre Sacaca em Rei Momo da Amazônia

ENREDO

Desenvolvido pelo carnavalesco Sidnei França, “Tucuju – O Guardião da Amazônia Negra” homenageou a sabedoria popular, a ancestralidade amazônica e a figura de Mestre Sacaca, valorizando a cultura do Amapá e a Floresta Amazônica. No primeiro setor, definido por Sidnei como primeiro encanto, a Mangueira inaugurou o seu cortejo inspirada no ritual indígena do Turé, realizado no extremo norte do Brasil. Foi um momento de celebração aos seres de Outro Mundo, vivenciado pelo transe do caxixi.

• Terceiro setor da Mangueira abordou a importância da medicina alternativa para curar o mal-estar do dia a dia

No segundo setor, o Xamã Babalaô seguiu o chamado das águas, mergulhando nas correntezas que unem gente e mistério. Nesse encanto, apresentou-se que os rios eram estradas fundamentais na vida de Sacaca e que conduziam, diariamente, as populações tradicionais com as quais ele tanto conviveu.

• Velha Guarda da Mangueira finaliza desfile reafirmando a tradição da comunidade: ‘Ser Mangueira não é só vir na Avenida’

No terceiro setor, o Xamã Babalaô reencontrou-se com os segredos da mata, transformando a natureza em Ciência do Encanto, em que diversos elementos carregavam o poder da cura e, por meio deles, o encantado tucuju cuidava de seu povo e disseminava a medicina ancestral.

No quarto setor, ao ouvir o som dos tambores, o Xamã Babalaô reviveu sua vocação para a cultura e integrou-se às manifestações de seu povo, celebrando junto a ele.

O quinto setor encerrou o desfile mostrando o Xamã Babalaô como espírito encantado que caminha ao lado da nação mangueirense, revivendo os saberes, as tradições e os valores de sua comunidade.

No geral, a história foi muito bem contada, com fantasias de fácil leitura, bom encadeamento narrativo e uma mensagem importante ao final. Faltou apenas relacionar um pouco mais essa ancestralidade de Mestre Sacaca com a Mangueira, algo que sempre emociona o mangueirense e que tinha espaço no desfecho. Mas nada que comprometa o bom trabalho narrativo de Sidnei.

EVOLUÇÃO

A evolução da Mangueira foi uma das melhores dos últimos tempos. Cadenciada, a escola passou com fluidez muito eficiente. Controlada, aproveitou bem as apresentações, encerrando o desfile no tempo, apesar de levar um conjunto de desfilantes bastante grande. Passou pela Sapucaí com calma, com os componentes aproveitando o desfile.

O principal: sem correria ou buracos, a escola desfilou com seu tapete de fantasias e alegorias sem deixar espaços aparentes. No compasso do samba, a evolução não foi marcada pela intensidade, mas houve alegria e espontaneidade do mangueirense. A grande maioria das fantasias em trajes leves também ajudou. Destaque para a ala “O Movimento das Águas Barrentas do Amazonas”, que realizava coreografia com componentes mudando e trocando de lugares para aludir ao movimento das águas.

HARMONIA

Estreando em voo solo na Sapucaí, Dowglas Diniz não sentiu a pressão do momento. Calmo, fez tudo com muita correção e qualidade. O cantor foi um achado da escola: ritmista, começou a cantar, fez parte do carro de som, dividiu microfone com Marquinhos e hoje é a voz principal de uma escola como a Mangueira. Dono de uma voz rasgada, com ótima extensão vocal e afinação, mostrou que a aposta foi acertada, inclusive fazendo solo no refrão de baixo, respondido pelas vozes femininas.

O restante do carro de som, experiente e talentoso, composto por nomes como Leandro Santos e Daniel Silva, além das afinadas e competentes Cacá Nascimento e Nina Rosa, teve mais uma vez alta produtividade. E falar do canto da comunidade da Mangueira é chover no molhado: cantaram do início ao fim, alegres e interagindo com o público. Era notório, tanto que Dowglas, em diversos momentos, deixava apenas para o povo o verso “Abençoe o jeito Tucuju”.

SAMBA-ENREDO

A obra da Mangueira foi produzida pelos compositores Pedro Terra, Tomaz Miranda, Joãozinho Gomes, Paulo César Feital, Herval Neto e Igor Leal. Envolto em algumas polêmicas em sua escolha no concurso de sambas, o samba mostrou um caráter mais cadenciado, remetendo aos do início dos anos 2000. A bateria dos mestres Taranta Neto e Rodrigo Explosão aproveitou para inserir bossas pertinentes à música e à temática do desfile, como a utilização do marabaixo.

Com propensão a uma linha melódica bem desenvolvida, como na primeira parte do samba a partir de “Finquei minhas raízes” e no fim da segunda estrofe em “Yá Benedita de Oliveira”, a obra não possui refrões de grande explosão, sendo mais cadenciada e mantendo linha mais reta e focada na melodia. Apesar disso, o desempenho na avenida foi satisfatório.

FANTASIAS

A Mangueira trouxe um conjunto de fantasias muito bem trabalhado, rico, com utilização de materiais de alta qualidade, bom gosto e soluções estéticas não tão óbvias. As fantasias eram de fácil leitura e ajudaram a contar o enredo.

Já na primeira ala, “Turé, uma nação incorporada”, Sidnei França trouxe a palha contrastada com os tons de verde e rosa, além de pontos de azul e laranja cítrico, abrindo o desfile com efeito interessante em figurinos com três formas diferentes.

O segundo setor destacou o verde em diferentes tonalidades, contrastando com cores como os tons de barro na ala “O Movimento das Águas Barrentas do Amazonas” e com o dourado na ala “Navegando no Rio Matapi”, evitando monotonia cromática.

No terceiro setor, que tratava dos segredos da mata, o verde voltou intercalado com tons de madeira e elementos do dia a dia inseridos nas fantasias com boa qualidade estética, como nas alas “O Ritual da Colheita” e “O Poder das Cascas e Sementes”, ambas belíssimas e com soluções visuais fora do óbvio.

A partir da ala 12, “Simpatias para o Povo Ter Fé”, a opção por tons terrosos em contraste com laranja e vermelho dialogou com a alegoria “Engarrafa a Cura”, trazendo nova roupagem ao desfile. Após o terceiro carro, no setor dos Tambores, o rosa começou a aparecer mais, como nas alas “Couro do Amassador do Curiaú” e “Açucenas e Tocadores”. Foi o momento com maior presença da cor, o que pode incomodar o mangueirense mais fervoroso, mas era pertinente ao enredo.

Ao falar de Mestre Sacaca como ser encantado e guardião da floresta, a escola finalizou com paleta em tons de marrom, palha e barro, reforçando a ancestralidade da floresta e do Xamã Babalaô.

ALEGORIAS

Também de muita qualidade estética, as alegorias apresentaram volumetria, altura e esculturas bem executadas, com boa leitura do enredo e soluções criativas. Com bom acabamento, os carros passaram pela Sapucaí sem grandes problemas. Apenas o abre-alas teve questão na dispersão, já fora do desfile.

O abre-alas mostrou a Mangueira aportando no extremo norte do Brasil no ritual do Turé. A cerimônia indígena é realizada como forma de agradecimento e enaltecimento aos espíritos invisíveis, como o próprio Xamã Babalaô. Cobras, jacarés e pássaros estavam espalhados pelo carro, pintados com grafismos dos povos originários. Maracás erguidos simbolizavam a manifestação indígena, além de figuras animais, elementos celestes e efeitos sonoros da floresta.

A segunda alegoria mostrou o Xamã Babalaô nas águas doces, reencontrando os povos tradicionais amapaenses. Tinha como elemento central uma cobra ligada às correntes fluviais, além de embarcações inspiradas nas utilizadas por Mestre Sacaca. Alegoria criativa e com movimento, embora o acabamento tenha sido inferior às demais.

O terceiro carro exaltou a reconexão com a medicina ancestral, com escultura central de uma senhora segurando um bebê recém-nascido, fruto de uma garrafada. Havia representações de medicamentos populares e efeito de fumaça nos cachimbos.

O quarto carro trouxe a Missa dos Quilombos, ápice do Encontro dos Tambores, celebrando manifestações culturais e religiosas amapaenses com elementos do afrocatolicismo amazônico.

A quinta alegoria apresentou o Xamã Babalaô em forma humana, entrelaçado à natureza, surgindo como raiz de uma árvore viva, símbolo da sobrevivência física e espiritual da Amazônia Negra. Excelente conjunto alegórico.

OUTROS DESTAQUES

A bateria “Tem Que Respeitar Meu Tamborim”, dos mestres Rodrigo Explosão e Taranta Neto, representou o Xamã Babalaô, conhecido como Preto Velho do Amapá. Com fantasia que incluía barba postiça, destacou-se também por bossa com marabaixo.

A rainha Evelyn Bastos, em sua terceira “encantaria”, representou a fumaça, simbolizando as mandingas do Xamã Babalaô, com fantasia em tons entre o preto e o prata.

No esquenta, Dowglas Diniz levantou a Sapucaí com o samba de exaltação, além de “Tem Capoeira” e “Salve Mangueira”. Em discurso, a presidente Guanayra Firmino lembrou a ancestralidade da escola e inflamou os desfilantes a darem o seu melhor.

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Com boas apresentações do casal em todos os módulos, a dúvida fica por conta da comissão e da evolução justamente na cabine espelhada, pois houve pequenos deslizes nessa porção do desfile, como um desequilíbrio do pivô da comissão e um pequeno buraco à frente dos jurados. Uma pena para um desfile primoroso, mas que não tira a Imperatriz da briga pelo título. Ney Matogrosso, o homenageado, veio no último carro com pouca roupa, como gosta, e na pouca roupa o dourado e verde da Imperatriz, em sua clássica estética egípcia, que também levou para os palcos. E, óbvio, veio dançando. O artista foi aclamado pela Sapucaí.

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Com o enredo “Camaleônico”, desenvolvido pelo carnavalesco Leandro Vieira, a Imperatriz Leopoldinense foi a segunda escola a desfilar na primeira noite do Grupo Especial, com o tempo de 79 minutos.

COMISSÃO DE FRENTE

O coreógrafo Patrick Carvalho levou para a Sapucaí a comissão “CAMALEÔNICO – O MUSICAL”, assumindo o traço performático que caracterizou a figura de Ney Matogrosso no imaginário musical brasileiro como recurso poético, enquanto festejou a obra e a carreira da icônica personalidade abordada como enredo. Na indumentária dos componentes, traços do estilo de roupa de Ney, algo meio vedete, meio homem das cavernas. O elemento alegórico que serviu de plataforma para os bailarinos da comissão, em tons de prata, apresentou-se como uma estrutura que fez “do Ney do palco” e “do Ney da coxia” o material criativo daquilo que é exibido de forma artística.

Diante da plateia, “proscênio” e “camarim” estavam disponíveis para a contemplação de um musical coreográfico que se revelou como uma dramaturgia dançante, em que o homenageado foi apresentado a partir da multiplicidade como marca de sua reinvenção artística e do palco como espaço para a metamorfose. Utilizando-se de recursos de ilusionismo e da iluminação do tripé, que ora aumentava, ora diminuía, o componente que representava Ney Matogrosso aparecia e desaparecia em diversos lugares do elemento alegórico. Truque muito parecido com o ilusionismo de “O Segredo”, mas utilizado de maneira diferente.

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A comissão apresentou um aspecto que não veio em mais nenhum momento do desfile: o Ney se preparando para o show ainda no camarim, como que uma preparação para a musicalidade do artista que viria a ser apresentada no desfile. Excelente mote narrativo, comissão que dialogou bastante com o público, teve efeito especial forte, dança e sensualidade, marcas do homenageado. Mas, na cabine espelhada, infelizmente aconteceu um desequilíbrio quando o Ney sobe no piano.

MESTRE-SALA E PORTA-BANDEIRA

Inseridos no setor batizado “Meio homem, meio bicho”, Phelipe Lemos e Rafaela Theodoro se apresentaram como uma criatura fantástica que mistura aspectos humanos e animais em hibridismo. Ambos estavam inseridos no universo das performances de Ney Matogrosso, cujos figurinos são interpretações artísticas de animais para a criação de um ambiente de transgressões estéticas em constante estado de transformação. O mestre-sala exibiu-se como uma espécie de fauno, e a porta-bandeira como uma criatura híbrida e fantástica. Predominantemente em azul e roxo, que viriam no primeiro carro, a dupla apresentou uma coreografia madura, segura, aproveitando-se de todo o espaço deixado após o avanço do elemento da comissão.

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Dança clássica, mas com muita intensidade do casal. Mais de uma vez na apresentação do módulo, Rafaela deu seguidamente mais de dez giros, com muita energia e correção, sempre deixando a bandeira bem desfraldada, pavilhão bem aberto. Com os giros, a saia da porta-bandeira inclusive ia de cima para baixo de forma muito bonita, tamanho o destreza que a porta-bandeira demonstrava, sempre em movimento bem regular. E Phelipe acompanhava, riscando o chão com muita velocidade e perfeição, cortejando a porta-bandeira. O ponto alto foi no “se joga na festa”, quando a dupla até deu uns “pulinhos”, apresentação de alto nível em todos os módulos. Não se observou nada fora de prumo na apresentação da dupla.

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ENREDO

Leandro Vieira trouxe para a Sapucaí um desfile focado na obra de Ney Matogrosso, abordando o quanto o artista se constituiu em um corpo que abrigou muitas identidades. E também o fato de esse corpo abrigar muitas identidades e se constituir em um território muito político. A abordagem da escola focou em suas referências estéticas e visuais, os personagens que incorporou, a construção de sua persona pública associada à transgressão e à sua obra musical. O desfile foi muito fiel, inclusive à estética que o artista marcou como própria e levou para os palcos durante toda a sua carreira.

Como não era da proposta do carnavalesco, a Imperatriz não focou na vida do artista, mas em sua obra e suas influências, principalmente na dança, estética e musicalidade. O enredo passou de forma muito didática na Sapucaí. O início trouxe a correlação de Leandro sobre como Ney teve múltiplas identidades estéticas e de obra, comparando-o a um camaleão; depois, sua musicalidade, sua atenção à latinidade, seu vestuário, seus maiores sucessos e, por fim, sua sensualidade.

O setor esteve dividido da seguinte forma: no primeiro setor, o desfile foi inaugurado a partir de uma visão permissiva e surrealista que lança mão do hibridismo de caráter animalesco adotado pelo homenageado na construção do seu imaginário. Em seguida, a escola mostrou Ney Matogrosso apresentado a partir das impressões de sua personalidade artística surgida para o grande público no início dos anos setenta. O terceiro setor mostrou as muitas figurações incorporadas pelo homenageado em seus discos, shows e escolhas musicais pós “Secos e Molhados”, através de uma personalidade que incorporou a transgressão como material poético para a construção de sua carreira artística. Depois, o desfile dedicou-se à menção de sucessos musicais de uma das mais importantes personalidades da MPB. Por fim, a Imperatriz encerrou o seu desfile com um convite para uma festa permissiva e ensolarada que faz de um bloco musical, exclusivamente associado a uma visão hedonista de mundo, o mote para o desfecho narrativo.

EVOLUÇÃO

A Imperatriz começou o seu desfile imprimindo um ritmo muito bom, até pelo andamento escolhido para o samba, pela influência do esquenta que Pitty levou para a Sapucaí e que já teve excelente resposta. Apostando na espontaneidade do componente, a Rainha de Ramos não trouxe um trabalho mais focado em alas coreografadas; ao contrário, a comunidade fazia coreografias muito mais sugestionadas pela própria letra e pelo próprio ritmo do samba. Ponto alto nas dancinhas na bossa do “Canto com alma de mulher” e no “vira, vira, vira lobisomem”.

Apesar da espontaneidade e do bom ritmo durante a maior parte do tempo da escola na Sapucaí, o quesito é onde talvez o jurado possa encontrar algo nesse desfile da agremiação. Isso porque a terceira alegoria, “Sangue Latino”, teve um pouco mais de dificuldade para entrar, fazendo com que naquele momento do desfile se segurasse um pouco mais o andamento. E outro pequeno ponto foi uma pequena demora para o tripé “Secos e Molhados” se movimentar em frente ao segundo módulo, o módulo espelhado, fazendo com que se abrisse um pequeno buraco muito rapidamente. Únicos pontos mesmo.

HARMONIA

Comandado por Pitty de Menezes, o carro de som mais uma vez deu um show de musicalidade, potência e correção, fazendo desde os primeiros minutos do samba a Sapucaí vir com a escola e sendo muito solidário, confiante e ousado ao deixar alguns trechos do samba só com os componentes, para mostrar como havia confiança no canto da comunidade de Ramos. Diversas vezes, a Sapucaí cantou sozinha uma passada do pré-refrão “Se joga na festa”, quando Pitty jogou para a galera, e também o verso final do refrão do meio, “Pois sou homem com H”, foi de arrepiar.

Canto constante do início ao fim, componentes gritando o samba, comunidade interagindo bastante com o público, inclusive com as frisas e arquibancadas cantando junto. Por fim, precisa ser destacado também o trabalho magistral das cordas, com destaque ainda maior na bossa do “Canto com alma de mulher”, quando a bateria faz quase um pagode com MPB e o violão de sete cordas faz uma jogada no baixo, nas notas mais graves, e o cavaquinho vai para outra métrica, nas oitavas acima — para o leigo, “bem no agudinho”. Que musicalidade do carro de som!

SAMBA-ENREDO

O samba, escolhido em meio à junção de duas obras que concorreram no concurso da Imperatriz, tinha como compositores Hélio Porto, Aldir Senna, Orlando Ambrósio, Miguel Dibo, Marcelo Vianna, Wilson Mineiro, Gabriel Coelho e Alexandre. Durante todo o pré-carnaval foi crescendo a música, que foi apontada por muitos como um samba que estava mais abaixo na safra deste ano.

Porém, a obra parece ter chegado ao ponto neste desfile. No primeiro “Se joga na festa”, a Sapucaí cantou sozinha e depois veio junto com Pitty com toda a energia. Se o samba-enredo é de fato uma obra orgânica, talvez até camaleônica como o homenageado, ele passou muito bem na Sapucaí, cumprindo bem o seu propósito, bem relacionado com o desfile, esquentando uma Sapucaí que ainda estava na segunda escola do primeiro dia. Muita sinergia com o público. Destaque, óbvio, para o “Se joga na festa…”. E quem tem grande responsabilidade nisso foi mestre Lolo e Pitty de Menezes. Que musicalidade dão para a Imperatriz. Estão de parabéns.

FANTASIAS

O conjunto de fantasias da Imperatriz foi muito fiel à estética do homenageado, que possui marcas muito próprias no vestuário. Com uma musicalidade muito propensa a gerar o imagético, ou seja, a ser reproduzida em imagens, Leandro, que deve ter conversado muito com o homenageado, conseguiu não só reproduzir e carnavalizar essa musicalidade, como, em muitas alas, vestir a comunidade como o homenageado. E, por isso mesmo, muito do que passou pela Sapucaí era formado por figurinos leves, que mostraram, sim, o corpo do componente, como a ousada fantasia dos passistas da Imperatriz em tons brancos e um collant que imitava pele e que deixava o formato do corpo bem à mostra ou, em alguns casos, nem havia esse collant.

Mas essa nudez, essa sensualidade, fazia parte da proposta do artista. E isso, em nenhum momento, vestiu mal a escola, pois havia um trabalho muito bom de acabamento, uso de materiais de qualidade e paleta de cores bem ornada com o desfile. Aliás, estética bem única, não parecida com nada que Leandro já levou para a Sapucaí. O início do desfile veio em tons de roxo, azul e vermelho, como nas alas “homem-bicho” e “homem-pássaro”. Depois, os tons de palha ao falar do homem das cavernas, mas logo depois o ressignificando no colorido das cores camaleônicas, azul e vermelho, com tons de rosa, finalizando o segundo setor na estética indígena, mantendo o azul, mas colocando o colorido na ala “Um corpo latino e tropical”.

O terceiro setor apostou em um conjunto estético mais rústico ao citar a musicalidade do cantor, com sucessos e o famoso “homem de Neanderthal”, através da figura de ossos e dentes. Tons de palha seguiram nesse setor, com costeiros em penugem, com estética animal e de savana. Destaque para a ala “O bandido”, que manteve a estética das anteriores, mas trouxe o chapéu de vaqueiro, e, nesse setor, para os guardiões do segundo casal, que vinham com roupa de presidiário, mas carnavalizados. O casal também estava muito bonito.

O quarto setor retomou as cores camaleônicas e apresentou alas mais criativas, como a “Pavão misterioso”, com a cabeça e o bico do animal vindo na frente. Nesse ponto, a paleta de cores buscou o branco e, logo depois, o colorido da ala “Sangue Latino”, já trazendo a influência dos povos originários na musicalidade do canto. Mais à frente, a escola seguiu vestindo Ney e suas músicas. Destaque para a ala “Homem com H”, com o figurino de cowboy em rosa-choque.

No último setor, a Imperatriz voltou mais para a sua paleta de cores, primeiro trazendo o dourado na ala “Pro dia nascer feliz”, que ainda fazia uma bonita homenagem a Cazuza, com o rosto do cantor no adereço de mão, e, em seguida, as baianas trazendo tons de verde-cítrico com rosa, roxo e laranja. Nesse setor, destaque para a ala “Bota pra ferver”, com figurinos diferenciados, como o indígena, o policial, o homem de Neanderthal e a cigana, personagens que Ney vestiu e encarnou antes do carro em que ele vinha. Por fim, outro ponto a se destacar foi a maquiagem de algumas alas, bem dentro do estilo que Ney Matogrosso levou para suas apresentações.

ALEGORIAS

A Imperatriz levou para a Sapucaí um conjunto alegórico constituído de cinco carros e dois tripés. Neste desfile, Leandro fez a opção por carros mais altos, o que até foge um pouco do que o artista vinha trazendo, mesmo nos dois últimos carnavais. O conjunto alegórico brincou muito com alguns signos que fizeram parte da obra do homenageado. As alegorias estavam com acabamento muito bom, usaram bem as composições e apresentaram qualidade plástica bem alta.

O abre-alas “Camaleônico” exibiu-se como uma selva noturna e surrealista, revelando, em sua porção frontal, a figura alegórica de Ney Matogrosso como um corpo seminu junto a uma natureza selvagem de caráter fantasioso. Adornado com elementos que lhe emprestavam contorno fantástico e animalesco, o homenageado foi mostrado em harmonia com a natureza selvagem e a vida animal. Nela, houve a presença de materiais diferentes dos já utilizados por Leandro e iluminação diferenciada também, através de pequenas lâmpadas que mudavam o trecho da alegoria iluminado, tipo um pisca-pisca.

A segunda alegoria lançou luz sobre o universo de transgressões incorporadas por Ney Matogrosso durante a construção de sua identidade artística em meio ao conservadorismo e ao cerceamento de liberdades que marcaram a sociedade brasileira durante os anos de ditadura militar. Para abordar esse ambiente, escorpiões e tanques militares compuseram a cenografia da alegoria, e o vermelho e a incandescência das cores a tingiram como chamas.

A terceira alegoria, “Sangue Latino”, fez alusão à condição dos povos originários latino-americanos diante da violenta invasão sofrida durante o período colonial, tendo o seu visual composto pelo sangue derramado, pela reprodução de signos associados à arte pré-colombiana, pela memória dos templos construídos pelos povos originários que compunham as pioneiras civilizações latinas e pela ornamentação floral de natureza tropical acrescida do imaginário das aves associadas à latinidade.

Na quarta alegoria, a escola mostrou a abordagem dos sucessos de carreira do homenageado, destacando o mais famoso clássico do repertório do artista, a canção “O Vira”. A estética tirou partido da abordagem fantasiosa que direcionou a letra da canção, com a reunião de figuras associadas ao folclore de caráter fantástico e supersticioso, recriando um arvoredo de contorno mágico que reuniu brincantes vestidos de fadas, mencionou o gato preto, a luz da lua e, de forma central e agigantada, a figura alegórica do lobisomem.

A última alegoria, “O arauto do jardim das delícias terrenas”, encerrou o desfile fazendo um convite ao prazer e à liberdade desenfreada, através de um lúdico jardim adornado por figuras humanas em estado de entrega sexual e nudez. Nela veio o homenageado à frente, dançando e interagindo com o público. Destaque também para o tripé “Não vejo pecado ao Sul do Equador”, com serpentes e a coroa da Imperatriz. Excelência no quesito.

OUTROS DESTAQUES

A rainha Iza esbanjou samba no pé, representando a serpente com o clima ardente e erotizado do LP lançado por Ney Matogrosso sob o título de “Pecado”. A bateria “Swing da Leopoldina”, de mestre Lolo, levou para a Sapucaí 250 ritmistas e vestiu a fantasia “O arquétipo do pecado”, homenageando justamente o LP do artista intitulado “Pecado”. A estética emoldurada trouxe a capa tingida pela tinta preta da noite, de bandana, brincos de argola e figurino que lança mão de uma estética erotizada.

Na bossa do “Canto com alma de mulher”, os ritmistas, a rainha Iza e o mestre Lolo fizeram coreografia, dando uma voltinha e virando para o público. Em outro momento do samba, iam e voltavam: cada lado da bateria dava um passo para frente e o outro para trás, e voltavam de forma sincronizada.

O vice-presidente João Drumond, em seu discurso, fez questão de agradecer a cada funcionário e a cada componente da escola e lembrou do senhor Luizinho Drumond, seu avô, grande presidente da escola e também da Liesa, que faria aniversário no dia anterior ao desfile, se estivesse vivo.

No esquenta, Pitty de Menezes mostrou que a Imperatriz não precisa colocar música de bloco: o intérprete emendou logo “Cigana Esmeralda” e “Oxalá”, trazendo a arquibancada para junto da escola.

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A utilização de materiais menos comuns para desfiles fez parte da proposta, ainda que nem sempre o apuro estético tenha sido o melhor, tanto para alegorias quanto para fantasias. Com apresentações sem grandes erros na comissão de frente, evolução correta e com fluidez, além de alto canto da comunidade, impulsionada pelo desempenho do carro de som comandado por Thiago Britto e Matheus Gaúcho, a Ponte encerrou a noite de forma positiva e com o alto astral do tamborzão.

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Com o tempo de 54 minutos, a Unidos da Ponte encerrou a segunda noite de desfiles da Série Ouro apresentando o enredo “Tamborzão – O Rio é Baile! O Poder é Black”.

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COMISSÃO DE FRENTE

Desenvolvida pela coreógrafa Juliana Frathane, a comissão apresentou o enredo a partir da conexão ancestral existente na musicalidade negra, especialmente na cidade do Rio de Janeiro e na Baixada Fluminense. A apresentação materializou essa ideia recorrendo a símbolos ancestrais africanos, como o totem, o ebó, as máscaras e os grafismos, e a símbolos contemporâneos, como o alto-falante e o disco de vinil. A integração desses signos marcou o desenvolvimento narrativo da comissão e também reafirmou que passado e presente coexistem.

Os bailarinos eram uma representação abstrata da energia musical negra. O figurino não fez menção a nenhuma entidade específica de alguma cultura de matriz africana, mas simbolizou a energia pulsante presente nos bailes negros. O verso do figurino, majoritariamente na cor azul, representou a ancestralidade em um tempo passado, mas já com embriões do que viria no futuro. A máscara, símbolo de proteção em religiosidades africanas, reforçou a espiritualidade que abre caminhos e afasta energias ruins para que um bom fluxo aconteça no baile.

A frente do figurino, com modelagem e cores mais contemporâneas, simbolizou que essa entidade se transforma com o tempo, se atualiza com as mudanças da cultura e se faz presente na música e nos bailes de hoje. O elemento alegórico representou um totem-paredão, partindo do fato de que, para grande parte das culturas africanas, os totens contam a história de seu povo e representam suas conquistas e feitos. Por isso, no totem, havia símbolos dos bailes negros do Rio.

Na apresentação no módulo, os componentes seguravam os vasilhames ou alguidares enquanto giravam no elemento cenográfico. Enquanto isso, na parte superior, aparecia um DJ que fingia coordenar uma mesa de som, sendo um verdadeiro mestre de cerimônias, MC. Um ponto negativo foi que os efeitos de luz e de fogo apareceram pouco devido à luz do dia, que não os deixava se destacar. Outro ponto interessante da comissão foram os “passinhos” que os componentes faziam no chão e a coreografia de deslocamento com os costeiros coloridos, criando um bonito efeito — esses, sim, aproveitando a luz do sol. Uma apresentação leve, que não se utilizou de grandes recursos, mas apresentou bem o enredo.

MESTRE-SALA E PORTA-BANDEIRA

Thiaguinho Mendonça e Jéssica Ferreira representaram as majestades do black, com figurinos de rei e rainha africanos, com elementos referentes aos bailes cariocas. O casal simbolizou essa conexão entre passado, presente e futuro por meio da música negra e foi protegido pelo conjunto de guardiões da batida real.

Logo no primeiro módulo, a porta-bandeira teve um problema com o chapéu e, em dois momentos, precisou pôr a mão para segurá-lo. Porém, após a apresentação, o problema foi consertado e, nos demais módulos, a performance transcorreu normalmente. A dupla mostrou desenvoltura ao inserir na coreografia alguns passinhos de funk e finalizações com esses movimentos.

Alguns dos pontos altos ocorreram no refrão principal, em que os dois fizeram coreografia “jogando de ladinho”, e quando Thiaguinho, sozinho, no verso “Tem charme no viaduto”, mostrou todo o seu swing, realizando uma rabiscada no chão. Um ponto que pode ser analisado pelo jurado é que, na dança, a porta-bandeira esteve um pouco menos intensa que Thiaguinho, que fez movimentos de grande destaque durante as apresentações nos módulos.

ENREDO

“Tamborzão – O Rio é Baile! O Poder é Black” trouxe para a Sapucaí um território de memória, identidade e afirmação cultural, onde o funk é tratado como herança, linguagem política e elo comunitário, transformando a Avenida em um grande baile popular.

O desfile foi dividido em três momentos: iniciou com o anoitecer, seguiu pela madrugada e finalizou com o amanhecer. No primeiro setor, nomeado “O Anoitecer”, a escola mostrou o momento em que a noite chega e a cidade se torna palco para o baile. Nesse setor, foi retratado o subúrbio carregado de axé, de energia sagrada produzida pelos ancestrais.

No segundo setor, a Ponte aprofundou formas e estilos predominantes e marcantes nos bailes negros para a cultura e a sociabilidade do Rio de Janeiro e da Baixada Fluminense, ressaltando a coexistência dos tempos e mostrando que, mesmo nos primeiros bailes, já havia algo de hoje.

O terceiro e último setor simbolizou que, por mais que chegue o fim da noite, não é o final do baile. A festa segue enquanto houver gente dançando e agitando a pista. Nesse setor, a agremiação mostrou a reverberação da Black Rio a partir dos anos 1980, apontando como, de suas mesas de som e paredões, surgiu o funk carioca que tomou conta das ruas e levou o baile para o restante do Brasil e do mundo.

Nícolas Gonçalves, carnavalesco da nova geração, mostrou criatividade, trouxe uma narrativa popular, fez misturas pertinentes ao relacionar a cultura atual com a ancestralidade e levou muita leveza para a Sapucaí, finalizando os desfiles da Série Ouro com uma mensagem alto-astral que permaneceu na Avenida, com bastante interação com o público.

EVOLUÇÃO

A evolução da Ponte foi correta. Com um contingente não muito grande, a escola passou longe de correr riscos e não colocou a bateria “Ritmo Meritiense” no segundo recuo. Com evolução fluida, sem apresentar buracos ou grandes espaçamentos, a escola brincou o Carnaval, e a leveza do tema fez com que os desfilantes passassem alegres, interagindo bastante com o público, que respondeu à altura.

Muita gente nas frisas, ainda quando a escola passou, caiu no samba e, por que não, também no funk. Quesito sem grandes intercorrências.

HARMONIA

Thiago Britto e Matheus Gaúcho formaram dupla neste ano pela Ponte e tiveram a missão de transformar um samba fora do lugar comum, com qualidade abaixo das melhores obras do grupo, em uma obra que interagisse com o público e ajudasse a tornar o desfile mais leve e alegre. Pode-se dizer que a missão foi cumprida.

A dupla esteve muito à vontade. Não houve vaidade, com cada um deixando o outro se sobressair no momento certo, além do apoio das vozes muito bem ensaiadas, com destaque para as vozes femininas.

No canto, a Ponte foi muito bem. Já pela manhã, depois das seis horas, a comunidade de São João de Meriti deu seu recado e correspondeu cantando o samba durante todo o desfile. Escola de parabéns em harmonia.

SAMBA-ENREDO

A obra foi composta por Chacal do Sax, Gustavinho Oliveira, Marquinhos Beija-Flor, Gabriel Simões, Raphael Gravino, Brayan Sá, Valtinho Botafogo, Mateus Pranto, Serginho Aguiar, Naval, Alexandre Reis, Renne Barbosa, Leozinho Nunes, Léo Freire, Gigi da Estiva e Jhonatan Tenório.

De fato, como dito anteriormente, o samba não está entre os melhores do grupo: há palavras que talvez não se encaixem metricamente ou que não embelezem a letra, além de trechos forçados no encaixe. Porém, o trabalho realizado pelo carro de som e pela direção musical fez dele uma obra leve, para cima, que, depois de algum tempo, deixou o público acostumado e com vontade de participar.

Se deve ser despontuado em alguns pontos, como os citados acima em sua própria avaliação, o samba também ajudou a escola a ter bom rendimento em quesitos como evolução e harmonia. De tom mais profundo na cabeça, ao falar de ancestralidade, a partir do refrão do meio — “Pega a visão, meu irmão…” — o samba se torna mais leve e alegre, com notas em tom maior, tendo ótimo clímax em “O paredão já tá formado”.

ALEGORIAS

Nícolas Gonçalves trouxe o número máximo de alegorias para o desfile da Ponte. De fato, os carros talvez não estivessem no mesmo nível de outras alegorias que passaram, em termos de volumetria e utilização de materiais de maior qualidade. Porém, o carnavalesco soube usar a criatividade e deu às alegorias contexto próprio do enredo.

Sem grande destaque no apuro plástico, cumpriram o papel de contar a narrativa. O abre-alas representou, por meio de estética que une elementos africanos, futuristas e psicodélicos, a musicalidade negra que atravessa os séculos como expressão cultural no Rio de Janeiro. A estética onírica remetia aos sonhos e ao plano espiritual.

A segunda alegoria, “O Baile em São João de Meriti e a Coroação do Black”, teve como base registros históricos que indicam a realização de bailes black na quadra da Unidos da Ponte. Nícolas recriou um desses bailes em linguagem carnavalesca. A alegoria foi majoritariamente em tons de marrom e dourado, fazendo referência à pele negra e ao empoderamento como realeza nos bailes black.

Houve também o predomínio de estampas quadriculadas em preto e branco, em referência à equipe de som Soul Grand Prix, que utilizava estética inspirada nas corridas de Fórmula 1 e representava o clima de competitividade dos bailes. A alegoria foi decorada com discos de vinil reais doados e com formas que remetiam a eles, por serem dispositivos de armazenamento sonoro da Black Rio.

A última alegoria, “Vem pro Baile Funk”, representou um baile funk misturando a estética do subúrbio atual com símbolos modernos e ancestrais. A referência foram os paredões da equipe de som Furacão 2000, carnavalizados com elementos cenográficos que traziam signos do cotidiano das periferias onde aconteciam os bailes.

FANTASIAS

O conjunto de fantasias seguiu o mesmo caminho das alegorias. Mesmo sem utilizar materiais de alta qualidade, Nícolas foi criativo e conseguiu carnavalizar o universo do funk. Houve ótima utilização de cores vibrantes e tons cítricos, principalmente nos costeiros, aproveitando o brilho do sol.

As baianas, por exemplo, vieram com a fantasia “Nas Vibrações dos Lundus”, abordando a dança e o canto de origem africana em figurino com elementos que remetiam à ancestralidade, como tambores, grafismos e palha. As máscaras com turbantes faziam a conexão do lundu com o presente, por meio da cultura do samba.

Apesar da criatividade, houve pequenos problemas com alas que deixaram elementos no chão e, na ala “Reflexos do Céu”, composta por grupo performático, alguns componentes estavam sem chapéu. Nada grave, mas, em eventual comparação, ainda que o manual de julgamento não recomende, a escola apresentou qualidade estética inferior a outras concorrentes.

OUTROS DESTAQUES

Os passistas vieram com a fantasia “Realeza das Pistas”, em tons de dourado e vermelho, representando como pessoas negras tinham status de realeza nos bailes black. Destaque para o costeiro com penas de pavão carnavalizadas, simbolizando vaidade, e para a cabeça remetendo a um cabelo black power com discos, como símbolo de representatividade negra.

A bateria “Ritmo Meritiense”, dos mestres Alex Vieira e Juninho, trouxe a figura do MC com a proposta de que a bateria é a comandante do baile, estabelecendo conexão ancestral entre os MCs modernos e os tradicionais griôs africanos.

No esquenta, Thiago Britto e Matheus Gaúcho cantaram, em ritmo de samba, sucessos do funk carioca. Em seu discurso, o presidente Tião Pinheiro ressaltou o enredo e afirmou que a escola valoriza a cultura popular.

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Com comissão e casal tendo ótimo rendimento e boa resposta do público, evolução sem intercorrências e canto satisfatório da comunidade, a Maricá tem tudo para, pelo menos, estar nas primeiras colocações. Com o enredo “Berenguendéns e Balangandãs”, a União de Maricá foi a sexta escola a pisar na Sapucaí na segunda noite de apresentações da Série Ouro, com o tempo de 57 minutos.

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COMISSÃO DE FRENTE

A comissão foi assinada mais uma vez pelo renomado coreógrafo Patrick Carvalho, que mais uma vez fez essa dobradinha com o carnavalesco Leandro Vieira, assim como na Imperatriz. Composta exclusivamente por mulheres negras, a comissão esteve intimamente ligada à ideia de empoderamento feminino e à construção simbólica da mulher negra como vitrine para o luxo e a exuberância das joias. O traje apontou para a memória africana de negras engalanadas, cobertas por adornos de ouro. Simbolicamente, o dourado presente no figurino lançou luz de forma poética sobre o acúmulo de poder traduzido por joias, enquanto o vermelho que tingiu a saia das componentes remeteu, de maneira metafórica, às lutas individuais de mulheres negras que se tornaram protagonistas de suas emancipações.

Já o elemento cenográfico que serviu de “palco” para a apresentação fez referência ao espaço público das ruas (local onde grande contingente de mulheres negras desenvolveu suas atividades de trabalho), num misto de arquitetura colonial acrescida de artigos diretamente associados ao imaginário afro-brasileiro. Coreograficamente, a luta de mulheres negras foi apresentada com garra e exuberância, enquanto o balangandã, artigo fundamental dentro do enredo, foi revelado em meio a imaginários de ancestralidade e devoção, quando a estrutura subiu acima das componentes, em união de duas partes que estavam inseridas em cada lado do elemento e se uniram no meio da alegoria.

Em consonância com isso, figuras cobertas de ouro, orixás femininos, também surgiam vindas do interior do carro através de elevadores. Na parte da frente do elemento, abaixo da figura da figa e dentro dela, na parte inferior do braço, uma mulher, como que em um domo utilizado para se colocar imagens de santos. Comissão com tamanho de Grupo Especial, bem desenvolvida, com clímax e efeitos. Serviu muito bem para apresentar o enredo. Indumentária e elemento cenográfico primorosos, de alto nível.

MESTRE-SALA E PORTA-BANDEIRA

O experiente casal Fabrício Pires e Giovanna Justo se apresentou com a fantasia “Realeza e identidade”. Vestindo-se à moda africana, o primeiro casal de mestre-sala e porta-bandeira ostentou signos de realeza para mencionar o universo estético que o enredo aborda. Reforçando a ideia de que o uso de joias revela status e poder, o traje emplumado, luxuoso e ornamentado por búzios e joias douradas que vestia o primeiro casal impôs a narrativa de empoderamento negro proposta pelo enredo, debruçado sobre o balangandã.

A dança do casal mostrou bastante vitalidade, com a dupla aproveitando bastante as bossas que a bateria fazia para incluir algumas inserções de passos mais voltados para o afro. Fabrício, já de início, mostrou muita desenvoltura no refrão principal, riscando o chão com muita energia. E Giovanna, mesmo em um momento em que o vento estava mais forte, segurou muito bem e manteve o pavilhão bem desfraldado. O casal foi seguro, não ousou tanto, focando mais no bailado clássico. A dupla não teve intercorrências em seu bailado, e todas as apresentações nos módulos foram limpas, com correção e qualidade. A dupla é muito experiente e foi pelo caminho mais seguro.

ENREDO

“Berenguendéns e Balangandãs”, desenvolvido pelo carnavalesco Leandro Vieira, transformou uma joia produzida por mãos pretas em linguagem de resistência, autonomia e orgulho ancestral, reposicionando o corpo feminino negro no centro da narrativa carnavalesca. Nesse sentido, o enredo apresentou um artefato conhecido visualmente, mas com significado esvaziado ao longo do tempo. A abertura da escola apresentou as negras quitandeiras, mulheres fundamentais no Brasil colonial, responsáveis por gerar a renda que possibilitou o acúmulo de joias.

Na sequência, o desfile mergulhou nos antecedentes do balangandã, passando pela influência das joias portuguesas, pela expertise dos negros malês na forja do metal e pela relação do artefato com Ogum, senhor da forja. Nessa parte, o visual priorizou o tom metálico. O terceiro setor mostrou a individualidade de cada peça que compõe o balangandã: figa, estrutura metálica, dentes de animais e pingentes ligados aos orixás. No encerramento, a Maricá exaltou o empoderamento feminino por meio de mulheres pretas cobertas de joias, senhoras autônomas de sua própria história.

Outra ótima sacada de Leandro Vieira ao revestir uma joia de muito significado e ancestralidade. Fácil leitura das fantasias para apresentação de um tema com tamanho para os desfiles da Série Ouro, fácil de contar com três alegorias e o número de alas próprio para este grupo. O empoderamento feminino no final também foi um acerto e justificou a importância da história contada.

EVOLUÇÃO

A Maricá fazia um desfile de bom nível na evolução, cadenciado no início, mas com espontaneidade dos componentes. Parecia ter boa dosagem do tempo, fazendo suas apresentações sem correria, de forma controlada. Mas, no final, o último carro da escola, “Reluz o Amuleto”, teve dificuldades para deixar a pista, fazendo com que a agremiação estourasse em dois minutos o tempo máximo para encerrar o desfile.

Com isso, pelo regulamento, a agremiação deverá perder dois décimos, cada décimo referente a cada minuto ultrapassado do tempo limite. No final, também houve pequena correria da escola para fechar. Na pista, não se viram problemas de buracos. Como detalhe informativo, a União de Maricá optou pela não entrada da bateria no segundo recuo a fim de não prejudicar ainda mais a questão do tempo.

HARMONIA

Fazendo dobradinha neste carnaval, Zé Paulo Sierra, que também vai comandar o carro de som da Portela, mostrou que as preocupações com a maratona de trabalho em duas agremiações não afetaram seu rendimento, pelo menos não na Maricá. Com um carro de som de excelente musicalidade, Zé esteve bem à vontade e mostrou entrosamento das vozes e trabalho muito bem feito de preparação e ensaio. Zé Paulo fez, em diversos momentos, solos com a resposta do coro, em alguns trechos apenas com as vozes femininas, como no refrão do meio, em que ele cantava sozinho o “Balanço que lembra meu adarrum”, com a resposta das vozes cheias no “Na amargura de Ogum, memória ancestral”. Fantástico.

Excelente trabalho das cordas e ótima consonância entre carro de som e bateria, abrilhantando ainda mais a obra que a Maricá levou para a Sapucaí. Já o canto da comunidade foi satisfatório. Alguns momentos com um pouco mais de força, mas sempre presente. Em alguns trechos, o carro de som deixava a escola cantar sozinha o “Claro, tinha que ser preto” do refrão principal. A comunidade comprou a ideia e mostrou força e rendimento para nota máxima.

SAMBA-ENREDO

A obra escolhida pela Maricá para este carnaval foi composta por Babby do Cavaco, Rafael Gigante, Marcelo Adnet, Hélio Porto, Jefferson Oliveira e André do Posto. O trabalho realizado pela direção musical da escola fez com que o samba fosse levado ao máximo na Sapucaí. Com andamento muito adequado à obra, a escola aproveitou todas as partes para que a bateria “Maricadência” pudesse inserir bossas muito pertinentes ao contexto da música. Logo na cabeça, no verso “Nega da Ladeira do Pelô”, foi introduzida uma bossa com levada de axé. E, no refrão do meio, “Balanço que lembra meu adarrum…”, uma bossa de atabaque com batida para orixá, totalmente dançante e evocando ancestralidade.

No geral, um samba muito gostoso de se ouvir, conduzindo bem o desfile, com pegada para frente sem prejudicar a melodia e a métrica. Além disso, ótima interação com o público. O trecho mais cantado, obviamente, foi o último verso da segunda parte do samba, “Vai dormir com esse barulho”, algumas vezes com o carro de som deixando para a escola cantar sozinha.

FANTASIAS

O conjunto de fantasias da União de Maricá teve nível dos conjuntos apresentados por Leandro em títulos da Série Ouro com Imperatriz e Império Serrano, e até mesmo de desfiles que ele assinou no Grupo Especial. Entre os pontos altos, destaca-se o bom uso da paleta de cores para retratar cada ponto do enredo, variando o uso do prata, dourado e branco com tons de marrom e palha quando o enredo pedia mais ancestralidade. Costeiros e adereços de mão muito bem desenvolvidos, como nas alas “Herança dos Malês” e “Armadura de Ogum”.

No último setor, por exemplo, houve excelente mistura entre o dourado, os tons pastosos, o acabamento mais metálico das joias com estampas africanas, como nas alas que vinham antes do último carro, destacando-se as fantasias “Espelho e Orgulho” e “Pretas Consagradas”. O primeiro figurino, inclusive, com saias rodadas que produziam bonito efeito. Um conjunto estético primoroso, de acabamento luxuoso. Assinatura de Leandro. Outro destaque para a ala das baianas, que recriou de forma carnavalesca o imaginário das negras que praticavam a venda ambulante e, por meio do trabalho diário e de estratégias de existência e resistência, passaram a adquirir variada sorte de joias de ouro e prata como uma espécie de poupança financeira.

ALEGORIAS

Leandro Vieira trouxe para a Sapucaí, assim como no conjunto de fantasias, um conjunto alegórico primoroso e impactante. Com esculturas com a assinatura do carnavalesco e traço fino, as alegorias apresentaram boa volumetria, principalmente para o que Leandro vinha trazendo para a Série Ouro. Alegorias com movimento e bem inseridas no enredo. Porém, a última alegoria, “Reluz o Amuleto”, causou muitos problemas na Sapucaí. O primeiro deles foi passar em todos os módulos completamente apagada, o que deve fazer com que a escola perca vários décimos. A alegoria também foi responsável por deixar quatro feridas. A alegoria bateu na grade da frisa do setor 12.

O abre-alas, “Nêga da Ladeira do Pelô”, reproduziu cenograficamente o espaço público das ruas da Bahia colonial. Inspirado nos registros de artistas como Jean-Baptiste Debret (1768-1848), o conjunto cênico reproduziu, de maneira carnavalesca, os velhos casarões que testemunharam mulheres escravizadas realizando o comércio ambulante nas ruas. A segunda alegoria, “Ogum é a Forja do Metal”, fez menção ao imaginário do orixá Ogum dentro da simbologia da joia de tradição afro-brasileira. Caracterizado como o “deus-ferreiro” e o “senhor da forja”, o saber africano da manipulação de metais, que tanto foi usado para a produção dos berloques que compõem a penca, é associado ao universo simbólico da divindade. No centro do conjunto alegórico, o orixá foi representado como uma espécie de guerreiro retinto que veste sua armadura de prata. No topo, o conjunto escultórico fez menção carnavalesca ao assentamento de Ogum e às pencas feitas com artigos de ferro e prata que tradicionalmente estão penduradas, imbuídas de devoção. São reproduções carnavalescas de espadas, martelos e outras ferramentas de trabalho que, pendendo em uma estrutura igualmente metálica, reforçam as semelhanças entre os símbolos associados ao universo votivo do orixá e o design dos balangandãs usados como uma espécie de “joia-amuleto”.

O último carro, “Reluz o Amuleto”, encerrou o desfile apresentando o balangandã como uma joia que traduz o status e o empoderamento de mulheres pretas. Predominantemente dourada e ricamente decorada, a cenografia geral mencionou a narrativa de poder revelada pelo artigo e celebrou o corpo preto como vitrine de luxo, ostentação e beleza, apesar das limitações raciais impostas por uma sociedade racista marcada pelo sistema escravocrata.

OUTROS DESTAQUES

Os passistas vestiram a fantasia “Força Animal”, utilizando uma estética “selvagem e animal” para mencionar uma prática comum junto às pencas de balangandãs: a utilização de dentes de javalis, onças, gatos-maracajás e jacarés como amuletos de proteção e evocação de força por aqueles que os levavam junto ao corpo. A bateria “Maricadência”, de mestre Paulinho Steves, foi vestida pelo carnavalesco Leandro Vieira, ostentando como signo imagético de seu traje um popular, simbólico e recorrente artigo presente em boa parte das pencas como uma espécie de amuleto capaz de propiciar a evocação de caminhos abertos: a chave. Na pista, os ritmistas mostraram segurança.

A rainha Rayane Dumont veio com o figurino “Joias da Princesa”, vestindo o brilho dos artigos dourados que compuseram seu figurino, ostentando luxo e exibindo estética exuberante influenciada pelo contorno africanizado, personificando todo o imaginário de luxo e ostentação associado à joalheria negra.

No esquenta, Zé Paulo Sierra cantou a obra do carnaval passado, “O Cavalo do Santíssimo e a Coroa do Seu 7”. Com drones, antes do desfile, a escola escreveu no céu “Vai dormir com esse barulho”, além de seu nome e símbolo, sendo ovacionada pela Sapucaí nesse momento.

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Com o enredo “Ponciá Evaristo Flor do Mulungu”, o Império Serrano foi a quarta escola a desfilar na segunda noite da Série Ouro, com o tempo de 55 minutos.

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COMISSÃO DE FRENTE

Coreografada por Marlon Cruz, a Comissão de Frente do Império Serrano apresentou Ponciá-Evaristo a partir de suas referências fundadoras: a mãe, as tias, as mulheres do cotidiano, a ancestralidade e a escrita. Uma comissão que apostou no traço emotivo. Nesse ambiente, a comissão trouxe lavadeiras realizando o trabalho cotidiano. Enquanto isso, a artista que representou a personagem observava atentamente a cena e, a partir dessa observação silenciosa e profunda, nasceu sua paixão pela escrita. Já no elemento cenográfico que representava um rio, ou o entorno de um rio, as lavadeiras lavavam as roupas e faziam o movimento para quarar, batendo na pedra e produzindo um pequeno efeito de água no pano verde.

Depois, uma delas desenhava um sol no chão com um cajado. O ápice dramático da apresentação ocorreu com a representação da dor materna: uma das componentes simboliza ser baleada e cai nas mãos da pivô. Diante desse lamento coletivo, Oxum surgiu, enxugou as lágrimas e protegeu seu povo e suas crianças, reafirmando seu papel ancestral de cuidado, acolhimento e preservação da vida. O grande efeito estava na saia de Oxum, que ia ficando comprida enquanto a orixá dançava e se elevava para o delírio do público, e surgiam as imagens de mulheres relacionadas à homenageada. Comissão de ótima interação com o público, de mensagem forte e efeitos bem aplicados, que funcionaram e estavam de acordo com o enredo. Elemento cenográfico de acabamento apenas satisfatório.

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MESTRE-SALA E PORTA-BANDEIRA

O primeiro casal, Matheus Machado e Maura Luíza, vestiu “O Mulungu Ancestral e a Flor do Mulungu”, em que o mestre-sala representou a árvore sagrada, que simbolizou a memória profunda, a raiz africana e o tempo longo da diáspora. Já a porta-bandeira simbolizou a síntese da potência feminina negra e figura central da escrevivência-enredo. A flor é estado de graça, é beleza que nasce da resistência, é a mulher negra que verte em leite a seiva que dá a vida.

A dupla começou um pouco mais tímida no primeiro módulo, mas não cometeu erros aparentes e se soltou mais a partir do segundo. Coreografia que aproveitou muito bem os momentos mais afros do samba e as bossas da Sinfônica do Samba. No final da apresentação, já no refrão principal, no “É Kizomba…”, a dupla fez um passo afro com muita energia e vibração. No segundo módulo, onde o casal teve a sua melhor apresentação, Matheus deu uma leve hesitada ao pegar a bandeira, que parecia que iria escapar, mas, depois de dois toques, segurou firme. Só esse ponto de preocupação neste módulo. No último, não houve problemas desse tipo, mas o casal teve que esperar uma passada inteira porque a comissão demorou a tirar o elemento cenográfico da frente da cabine de jurados. A dupla pareceu incomodada. A apresentação ali não foi ruim ou problemática, mas ainda esteve um pouco abaixo na intensidade do que no segundo.

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ENREDO

“Ponciá Evaristo Flor do Mulungu” trouxe a força e a vivência da mulher preta como foco principal, a partir de uma homenagem à professora, doutora em Literatura Comparada, considerada a maior literata negra deste tempo: Conceição Evaristo. O enredo foi concebido em formato de conto, incorporando elementos ficcionais que evocavam o conceito de escrevivência, formulado pela homenageada. A escola dividiu o desfile em cinco capítulos. No primeiro, “Olhos d’Água”; no segundo, “Becos da Memória”; no terceiro, “História de Leves Enganos e Parecenças”; no quarto, “Cadernos Negros”; e, no último, “Escrevivências”.

Nesse contexto, a personagem Ponciá-Evaristo-Flor-do-Mulungu assumiu, neste desfile, papel central como síntese simbólica e narrativa, personificando tanto a vida e a experiência de Conceição Evaristo quanto os universos ficcionais que a autora construiu ao longo de sua atuação como escritora e intelectual negra. A personagem inédita, criada para a condução deste enredo, protagonizou uma narrativa que tensiona memória, ficção e ancestralidade, revelando o entrecruzamento entre vida, escrita e resistência. Ótimo ter saído do óbvio na homenagem para valorizar os pensamentos da escritora, ideia que ajudou o Império a também trazer uma estética diferente, mas muito pertinente.

EVOLUÇÃO

Nesse quesito, a Serrinha não fez uma grande apresentação. Talvez por um samba cadenciado, mas puxado para trás por conta de suas características, o Império Serrano evoluiu de forma muito arrastada, demorando a chegar aos módulos de julgamento. Grande, a escola inclusive nem fez a bateria de Mestre Sopinha entrar no segundo recuo, passando direto a fim de permitir um final de desfile sem maiores problemas. Nos últimos setores, a escola ainda apressou um pouco o passo.

Na última apresentação de módulo, a comissão de frente demorou a tirar o elemento cenográfico, o que fez o casal perder a passada do samba para entrar, fazendo com que a escola tivesse que ficar mais tempo parada. Entre casal e comissão também ficou um espaçamento maior na frente do júri, pois era o lugar onde o casal iria se apresentar. A dupla ficou mais próxima da ala, esperando a passada do samba, o que pode gerar questionamentos sobre esse espaço que ficou. Importante ver como os jurados de Evolução vão interpretar essa situação.

HARMONIA

Estreando na Serrinha, o intérprete Vitor Cunha não sentiu o peso e o tamanho de defender o pavilhão de uma escola detentora de grandes obras e com nove títulos no Grupo Especial. Ao contrário, mostrou-se bastante tranquilo, encarando a missão de impulsionar os componentes no canto, o que aconteceu bem e era esperado, vista a comunidade que a Serrinha tem.

Já o samba não rendeu tanto, não por culpa do carro de som, que realmente deu o seu melhor, mas por características da própria música, mais cadenciada, sem um grande momento de explosão. Bom entrosamento entre carro de som e bateria, vozes afinadas e excelente trabalho de sustentação das vozes de apoio para deixar Vitor mais à vontade.

SAMBA-ENREDO

O samba é de autoria dos compositores Hamilton Fofão, Dudu Senna, Leandro Maninho, Cláudio Russo, Lico Monteiro, Jorginho da Flor, Silvio Romal, Marco Aurélio, Victor Mendes, Mateus Pranto e Gabriel Simões. A obra até se relaciona com o enredo, com uma cara mais emotiva, mas nostálgica, com bons momentos, principalmente na cabeça do samba, que permitem algumas bossas mais afros para a bateria e para a dança do casal nos trechos em que faz reverência a Oxum.

O refrão do meio tem uma virada de melodia interessante. No “Folia de Reis”, há uma quebra interessante na linha melódica, com um caminho harmônico diferente do restante da obra, o que a engrandece. Porém, o samba não teve um grande rendimento, não houve muita interação do público, o que produziu um desfile morno, com uma evolução mais arrastada. Faltou maior vibração, ainda que a obra sempre se relacionasse com o caráter nostálgico.

ALEGORIAS

O carnavalesco Renato Esteves levou para o desfile do Império Serrano três alegorias. O carro abre-alas, “Consagração”, representou justamente a consagração da personagem central do enredo, Ponciá-Evaristo-Flor-do-Mulungu, a Nossa Senhora da Conceição e, consequentemente, a Oxum. Estruturado em duas partes, na porção frontal a escola trouxe a figura de Oxum e a força das águas doces, os Olhos-d’Água, concebidos como um grande assentamento simbólico da orixá. Já a parte traseira da alegoria retratou um grande festejo em homenagem a Nossa Senhora da Conceição.

A segunda alegoria, “Navio Mudança: Refúgio dos Becos e Vielas”, materializou o momento de travessia vivido pela Favela do Pindura-Saia após o aguaceiro provocado pela violência estrutural e pela especulação imobiliária. O carro se estruturava a partir do barro, que remete à criação, à fertilidade e à memória moldável. A escultura central em forma de navio, em barro, representou as lembranças de Ponciá sobre o Pindura-Saia. A figura de Sabela se impôs como eixo da alegoria: divindade-navio, ventre-travessia, corpo que carregou a comunidade inteira. As construções de favela surgiram integradas ao corpo do navio, reforçando a ideia de que o território não é apenas espaço físico, mas seus corpos, vínculos, afetos e identidades. Cenograficamente, a alegoria estabeleceu uma transição visual e emocional no desfile.

A última alegoria, “Casa de Preto Também é Academia”, constituiu o ponto de consagração intelectual e simbólica do desfile, encerrando o percurso narrativo. Cenograficamente, a alegoria apresentou uma arquitetura que fundiu casa, biblioteca, terreiro, palácio e escola de samba. Livros, símbolos da escrita, expandiam-se em formas monumentais, dialogando com elementos ancestrais e populares. Ao elevar a Casa Escrevivência à condição de Academia Ancestral, um palácio, o desfile consagrou Ponciá-Evaristo, Conceição Evaristo e as escrevivências negras como saberes eternos. Na conclusão da alegoria, o elemento visual final propôs uma releitura crítica da imaginária clássica do herói e do monstro, tão recorrente na tradição ocidental, nela a forma de uma menina negra em posição de comando.

No geral, Renato Esteves mostrou boas soluções estéticas, relacionando ancestralidade com elementos do hoje, relacionando o afro e o religioso católico, como no primeiro carro. Apesar de uma estética interessante e ousada, os carros ficaram devendo no acabamento. No abre-alas, por exemplo, na parte de cima havia um buraco e escada não decorada, quebrando a carnavalização da alegoria.

FANTASIAS

Fantasias também foram um ponto em que o Império enfrentou um contraste técnico. Se, por um lado, as soluções estéticas e de material foram interessantes, como nos carros, por meio do uso de materiais não tão óbvios como espuma e cordões, por outro, o acabamento dos figurinos não esteve tão apurado, como na ala 9, “Sabela”, e na ala “A Gente Combinamos de Morrer”, ambas com estética interessante, mas o collant por baixo, que aparecia, diminuía o apuro plástico. E a ala “Kizomba de Preta Literatura”, já no fim do desfile, celebrou a festa da literatura negra e consagrou a obra e a intelectualidade de Conceição Evaristo, mas era simplesmente composta por pessoas com camisa e calça, como em ensaio.

Por outro lado, posso encerrar a análise do quesito enaltecendo a ala das baianas, “Conceição Yalodê”, que fazia referência à origem do nome de batismo de Conceição Evaristo, por ter sido consagrada a Nossa Senhora da Conceição. Esteticamente, a fantasia apresentou uma releitura dos elementos e signos presentes na indumentária de Nossa Senhora da Conceição Aparecida. Logo no início do desfile, foi uma das alas de baianas mais bonitas que passaram na Sapucaí.

OUTROS DESTAQUES

A bateria “Sinfônica do Samba”, de Mestre Sopinha, em sua fantasia representou Fio Jasmim, personagem extraído do romance da autora intitulado “Canção para Ninar Menino Grande”, que traz para o centro do desfile o único protagonista masculino da obra de Conceição Evaristo. Em sua construção estética, a indumentária da bateria se inspirou na figura do maquinista ferroviário, associando trabalho, deslocamento e modernidade. A fantasia tinha até luz no chapéu.

A rainha Quitéria Chagas veio de Oxum, simbolizando a força ancestral que está por trás da vida de Conceição Evaristo. A fantasia dos passistas fez referência ao artigo “Samba-Favela”, escrito por Conceição Evaristo em 1968, publicado no Diário Católico, período em que a autora integrava a Juventude Operária Católica. Nas vias plásticas, a fantasia se estruturou a partir de cores vibrantes e contrastantes, com predominância dos verdes, que evocam vitalidade e continuidade. No esquenta, como não poderia faltar, Vitor Cunha cantou “Aquarela Brasileira”, seguido pela Sapucaí inteira, e também “Besouro Mangangá”, do título de 2022.

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Com o tempo de 55 minutos, a Em Cima da Hora, segunda escola a pisar na Sapucaí na segunda noite de desfiles da Série Ouro, levou para a Sapucaí o enredo “Salve Todas as Marias – Laroyê, Pombagiras”.

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COMISSÃO DE FRENTE

Coreografada por Márcio Moura, a comissão representou uma espécie de embate entre homens e mulheres, a partir das relações humanas e das forças que atravessam o indivíduo. Em seus movimentos era sugestiva a instabilidade, tensão e deslocamento, num ambiente em transformação. Os figurinos representavam, em parte do ato, homens e mulheres comuns, com essa tensão em que os homens parecem querer dominar as mulheres e fazê-las submissas.

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Na apresentação nos módulos, com ajuda do tripé, o cenário se transporta para um cemitério, onde aparecem as figuras de pombagiras, cada uma com sua indumentária própria, seus signos em cores, formas e objetos. Entre elas, a Rainha das Sete Catacumbas aparece na parte maior do elemento cenográfico, toda de preto, com efeitos de fogo, representando sua proteção e poder, que conseguem estabilizar a situação quando os homens são jogados para dentro da tumba, no momento em que um pedaço da lápide se abre. Exu se faz presente, garantindo que todos os caminhos se abram, conduzindo a todos ali. As mulheres voltam e dançam com as pombagiras em coreografias bem marcadas e bem à vontade com o samba.

Trabalho muito bom de Márcio Moura, um dos seus melhores, comissão com dança, história, dentro do enredo e com um clímax leve e de fácil entendimento. A indumentária do início, se não chamava tanta atenção, estava bem relacionada com a proposta, e o cuidado de reproduzir a roupa original das entidades foi outro ponto positivo. O trabalho de expressão dos bailarinos também foi perfeito; pareciam incorporados.

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MESTRE-SALA E PORTA-BANDEIRA

O primeiro casal, Marlon Flores e Winnie Lopes, veio com a fantasia “Os Reis da Encruza”, toda em tom de vermelho muito forte. Ele fazendo alusão ao Rei das Sete Encruzilhadas, entidade de respeito máximo entre as falanges de Exu. Ela representando a Rainha das Sete Encruzilhadas, senhora das ruas, de sensata justiça, ornada em pedras, penas e brocados. Fantasia belíssima e bem trabalhada, que ornava inclusive com a paleta de cores da cabeça da escola.

Na coreografia, a dupla buscou mesclar o bailado mais clássico de casal de mestre-sala e porta-bandeira com alguns passos de dança de matriz africana, como no trecho do samba que falava “Em cada esquina meu povo vai incorporar”. Apesar de uma performance que não apresentou problemas aparentes com o pavilhão, faltou ao casal mais de intensidade na dança, até para estar em consonância com o samba que pulsava. A dupla fez bem seus giros e rodopios com correção, mas poderia ter apresentado maior energia. Um samba tão rico sugeria mais algumas inserções das danças de religião de matriz africana, mas, nesse sentido, vai da característica do casal.

• Em Cima da Hora finaliza desfile com protesto contra a intolerância religiosa

ENREDO

O carnavalesco Rodrigo Almeida trouxe para a Sapucaí uma homenagem às Pombagiras, com foco na emancipação feminina, na resistência e no poder das mulheres. O primeiro setor narrou a chegada das Pombagiras, principalmente Maria Padilha, ao seu castelo em Sevilha, na Espanha. Nesse setor, a Pombagira foi tratada como rainha em terra, viva. Em seguida, a escola apresentou o imaginário coletivo dessas mulheres: a Bruxa de Évora, Joana d’Arc, entre outras figuras femininas poderosas da história.

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No segundo setor, propriamente dito, a Em Cima da Hora mostrou onde esses espíritos foram cultuados: o Batuque no Rio Grande do Sul, a Umbanda, o Catimbó, a Jurema, até chegar à Quitanda, onde ela se consagra rainha espiritual. No último setor, a agremiação ofereceu presentes às Pombagiras, encerrando também com um grito contra a intolerância religiosa, desmistificando histórias e ressignificando imagens. Um enredo bem popular e necessário, principalmente se tratando de uma festa como o carnaval, assentada na religiosidade afro-brasileira. Início e final com uma mensagem muito clara de empoderamento feminino e, durante o percurso da escola, a apresentação da entidade e suas características. Enredo bem apresentado.

EVOLUÇÃO

A escola começava o seu desfile com um ritmo muito bom, na levada do samba, com garra, dançando e curtindo. Mas, devido a problemas com a segunda alegoria, que demorou a entrar na Sapucaí e, na pista, teve problemas de movimentação, com deslocamento muito lento, isso afetou o ritmo da escola, que ficou muito tempo parada entre a apresentação da comissão e do casal no segundo módulo.

Além disso, no primeiro módulo de julgamento, abriu um buraco entre a segunda alegoria, a musa e a ala da frente, que evoluíram enquanto o carro passava por problemas de movimentação. Depois, quando a escola conseguiu resolver a situação da alegoria, começou a evoluir muito mais rápido a fim de compensar o tempo perdido. Além de uma evolução menos espontânea do meio para o final, com os componentes das últimas alas tendo pouca chance de aproveitar o carnaval, a escola ainda teve outro problema quando a bateria entrou no segundo recuo. Após os ritmistas entrarem, a ala da frente já havia avançado e a ala logo atrás da “Sintonia de Cavalcanti” demorou a evoluir, apresentando mais um buraco em um lugar bem visado pelo jurado do terceiro módulo, onde está a cabine dupla. O quesito deve fazer a escola perder alguns décimos.

HARMONIA

Igor Pitta e Carlos Junior aproveitaram bem o excelente samba da Em Cima da Hora, desde o início com os pontos que abriram o desfile e fizeram o alusivo para o samba. É muito positivo ver o domínio que Pitta já tem da Sapucaí; não é à toa que foi elogiado por Neguinho há um tempo, sendo colocado pela lenda do samba como seu possível sucessor.

A presença das vozes femininas no carro de som também abrilhantou a apresentação, fazendo as entradas nos momentos em que a obra mais pedia e deixando também os momentos em que os intérpretes tinham que conduzir. Já o canto da comunidade foi mais irregular, devido aos problemas que a escola teve na pista. No início e até o meio do desfile o canto estava muito forte, porém, na parte final, já com a escola evoluindo de forma mais rápida para compensar os problemas e não estourar o tempo, a intensidade do canto diminuiu consideravelmente.

SAMBA-ENREDO

A obra foi composta por Marcota de Cavalcante, Serginho Aguiar, Gabriel Simões, Alexandre Reis, Marcio de Deus, Silvio Romai, Raphael Gravino, Camila Lucio, Gigi da Estiva, Jorginho da Flor, Mateus Pranto, Caio Rodrigo, Gabrielzinho e Orlando Ambrózio. Uma das melhores obras da Série Ouro, samba popular, carregado de referências das religiões de matriz africana, com refrões fortes e de muita vibração, que convidam não só a cantar, como também a dançar e mexer o corpo.

O refrão “Abre a roda” era, sem dúvida, o ponto mais alto. Quando os intérpretes perceberam que ele já havia ganhado a Sapucaí, inclusive, deixavam só para o povo o verso final “Porque a Dona da Casa Chegou”. Refrão do meio também com ótimo rendimento e, na verdade, uma apresentação de muita interação com a Sapucaí. Um dos melhores do grupo e que passou na Avenida com mais força.

FANTASIAS

A primeira ala, “Estende um tapete de rosas para ela passar”, que trazia uma evocação às pombagiras, ornando o vermelho e preto com o dourado, já dava o tom de um bonito conjunto estético para os figurinos. No segundo setor, a Em Cima da Hora começou a trazer um pouco mais de colorido, como a ala das baianas, “Rainha de Todas as Bandas”, representando as baianas como princípio do samba, mães e geradoras que detêm o conhecimento. A saia, bem colorida, ia dos tons mais quentes para os mais frios.

Outra ala, “Na boca de quem não presta ela é vagabunda”, que cruzava a ideia de uma pombagira cortesã em contraste com a sensibilidade, relacionou o branco com tons mais sutis de rosa. Muito caprichada, a fantasia ainda tinha maquiagem. E, na parte final, destaque ainda para a fantasia “Ouro que te enfeita”, toda em dourado, com a saia vazada. Muito bem feita. No geral, um trabalho primoroso do carnavalesco Rodrigo Almeida. Fantasias bem acabadas, com uso de materiais de ótima qualidade e paleta de cores ornando muito bem com cada momento do desfile.

ALEGORIAS

Rodrigo Almeida levou para o desfile da Em Cima da Hora três alegorias. O abre-alas, de alta qualidade plástica, representou o poder e a realeza de uma Pombagira, seu lugar como Dona, Senhora e Rainha. O carro trouxe uma grande carruagem guiada por cavalos imponentes, símbolo notável de poder, valentia e coragem. Em sua parte central, a alegoria tinha uma grande escultura de Maria Padilha, imprimindo ainda um cenário de autoridade, realeza e feminilidade.

A segunda alegoria, “O Reino da Quimbanda”, fez referência ao universo da Quimbanda ou Kimbanda, cujas raízes ancestrais estão ligadas ao culto Bantu (Angola), focado nos cultos de Exus e Pombagiras. Os signos mais populares da Quimbanda estavam presentes nesta alegoria, que vinha introduzida por dois semidestaques representando Belzebu. Um cenário repleto de velas pretas e vermelhas e chamas de fogo personificadas por composições; por todo o carro alegórico se viam oferendas, fazendo dele um altar. Ornando o carro, ainda estavam destaques e outras composições que acrescentavam a sensação mística do lugar e do universo da Quimbanda.

O último carro, “Ela é Resistência Contra a Intolerância”, encerrou o desfile como um templo contra a intolerância. Nesta alegoria vieram diversas autoridades espirituais. No centro do carro, no alto, foi encenado um ataque de intolerantes a um terreiro. Sua principal escultura fez direta referência ao tema do enredo e seu entrelaçamento com as Marias de todas as denominações, através da releitura da figura da Pietà, que em seu colo protege e acolhe essa mãe de santo que vê destruído seu local sagrado. Apesar de um início arrebatador pelo ótimo trabalho no primeiro carro, houve uma queda de apuro estético do abre-alas para as demais alegorias. Inclusive porque, nos dois carros seguintes, havia várias composições no alto sem fantasia, o que comprometeu também a qualidade plástica das alegorias. No geral, um conjunto irregular.

OUTROS DESTAQUES

A rainha de bateria, Marianne Hipólito, representou a Pombagira menina com sua fantasia. A bateria “Sintonia de Cavalcanti”, comandada por mestre Leo Capoeira, veio vestida em homenagem ao Tranca-Rua das Almas, com calça, camisa e cartola, acompanhados de uma capa em tons de branco e preto. Os passistas vieram com a fantasia “No feitiço do catimbó”, retratando o cruzamento das linhas espirituais onde a Pombagira atua, possuindo um imponente costeiro, como asas.

No esquenta, a escola cantou o clássico “Os Sertões”, samba de 1976, recebendo uma boa resposta do público. No alusivo, a escola cantou os pontos “Sino da Igrejinha”, “É uma casa de pombo” e “Arreda homem”, entre outros cantos para saudação de pombagiras.

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Com o enredo “Brasil Incógnito – O Que Os Seus Olhos Não Veem, A Minha Imaginação Reinventa”, desenvolvido pelos carnavalescos Alex Carvalho e Caio Cidrini, a Vigário Geral, com o tempo de 55 minutos, encerrou a primeira noite de desfiles da Série Ouro.

COMISSÃO DE FRENTE

À frente dos componentes da Vigário Geral desde 2020, Handerson Big apresentou a comissão “Sátira do Pequeno Invasor”, que trouxe um sujeito de mangas bufantes, suando sob o sol de 40 graus, na vestimenta de um português do período das grandes navegações. Na coreografia de deslocamento, esse invasor se desloca com uma pequena caravela meio destruída e com um globo terrestre que ora ele sobe em cima, ora ele empurra. Na apresentação para o júri, este personagem dança com o globo, onde a Europa ocupa o centro, esticada e inflada por um ego cartográfico. Ele joga o mundo para o alto, os componentes se unem nessa dança e depois colocam o globo na caravela.

No clímax dessa sátira, os componentes retiram da roupa pequenos mapas-múndi que, na verdade, de um lado têm imagens de monstros mitológicos e, do outro, as letras que formam o nome Vigário Geral. Após se assustarem com as imagens desses seres, eles se juntam e formam o nome da escola no final. A ideia é bem legal, tem muito a ver com o enredo, traz um tom de sátira e irreverência. O que prejudicou um pouco foi o uso da iluminação cênica. Em alguns momentos-chave, a Sapucaí ficava muito escura, como no momento em que os invasores erguiam o globo juntos. Em outro momento, quando os personagens apresentavam os monstros nos mapas, a iluminação muito baixa não destacava a cena, e as imagens não ficavam muito nítidas. No geral, uma ideia legal; a execução poderia ser melhor.

MESTRE-SALA E PORTA-BANDEIRA

O primeiro casal, Johny Matos e Isabela Moura, veio com o figurino “A dança das marés”, que representou o fenômeno natural do movimento de sobe e desce do nível do mar, causado pela atração gravitacional da Lua e do Sol, criando um ciclo constante. É um bailado de ondas que, junto ao vento, leva as embarcações rumo ao desconhecido.

A dupla optou por uma coreografia intensa, com Isabela dando muitos giros e mostrando muita força e talento para sustentar o pavilhão. A única questão a ser analisada foi no primeiro módulo de julgamento, que não é duplo, em que, em dois momentos, nos giros, a bandeira não ficou bem desfraldada, como é recomendado ao casal no julgamento. Mas eles se mantiveram bem nas outras cabines, fazendo inclusive um passinho muito interessante no verso do samba “Deixa o chão tremer”, em que Johny parecia interagir com o público. Do casal, só essa situação a se analisar na primeira apresentação.

HARMONIA

O “pequeno notável”, o capixaba Danilo Cezar, em seu terceiro desfile pela Vigário, mais uma vez mostrou que é nos pequenos frascos que estão os melhores perfumes. Que voz. Terminou o desfile como começou: com muita potência, afinação, correção e colocando muita expressão na apresentação do samba, pois a obra pedia um pouco de irreverência e picardia. E, com a ajuda das vozes de apoio, ele conseguiu dominar a obra.

Já a comunidade ficou abaixo no canto. Era fácil notar, em diversas alas, componentes que não cantavam, e, em algumas alas, era difícil achar gente cantando, como na ala “Imaginária Riquezas”. Na ala “Vigarista à vista”, a primeira da escola, os componentes estavam com o rosto tampado com pano, dificultando o canto para o desfilante e a visualização, pelo jurado, de quem estava cantando. E foi assim em diversas alas. O canto ficou devendo.

ENREDO

O enredo “Brasil Incógnito – O Que Os Seus Olhos Não Veem, A Minha Imaginação Reinventa” teve como objetivo recontar a história do Brasil a partir da perspectiva dos monstros e seres mitológicos criados pelos colonizadores. Os carnavalescos fizeram desses seres os verdadeiros heróis do país, de forma cômica, sarcástica e crítica.

O primeiro setor apresentou a estética marítima, com caravela híbrida e criaturas fantásticas. Nele, a Vigário Geral mostrou o primeiro encontro do invasor com o desconhecido nas águas do oceano Atlântico.

Já no segundo setor, a floresta e a invasão europeia dialogaram com o imaginário indígena distorcido. Nele, a escola abordou a entrada de bandeirantes, clérigos, viajantes, naturalistas e artistas no interior verde do Brasil.

Por fim, o último setor ressignificou esses “monstros” como símbolos da cultura brasileira, defendendo que a história de um país também é a história de suas criaturas imaginadas. Nessa última parte, a agremiação retratou a terra: os sertões revelaram-se uma região árida e pouco habitada, prolífera em causos, visagens e assombrações.

Apesar de um enredo ousado, irreverente e com crítica histórica, na Avenida, olhando fantasia por fantasia, havia certa dificuldade de relacionar os setores e de transportar o que era mostrado para a narrativa proposta pelos carnavalescos.

EVOLUÇÃO

A Vigário começou seu desfile com muita energia, no ritmo do samba, com espontaneidade e alegria. A escola manteve o tom de picardia do enredo e se apresentou brincando o carnaval, sem alas coreografadas e sem alas engessadas.

O único problema foi no segundo módulo de julgamento, quando a escola teve um momento em que o casal se movimentou e a ala de trás não acompanhou, deixando um espaçamento equivalente ao tamanho entre duas torres de som.

Na reta final, a Vigário ainda parou um pouco nos últimos setores para brindar o público com a bateria. Não foi um desfile perfeito no quesito, mas não chegou a ser um problema grave, pois a cabine não era dupla.

SAMBA-ENREDO

O samba foi produzido por Verônica dos Tambores, Junior Fionda, Marcelinho Santos, Junior Falcão, Flavinho Avelar, Geraldo M. Felício, Camila Lúcio, Gilsinho da Vila, Rogério Máximo, Rafael Gonçalves, Soares do Cavaco, Antônio Neto e Davison Jaime.

Baseado em um enredo que, mais do que qualquer coisa, é uma sátira, o samba da Vigário tem uma pegada engraçada, lembrando os melhores tempos, por exemplo, da São Clemente, tratando, neste caso, um assunto histórico com uma roupagem leve, com desconstrução, o que resultou em uma obra alegre, para cima. O andamento escolhido pela bateria e pela direção musical ajudou, assim como o rendimento do carro de som, que impulsionou a obra.

Destaque para os dois refrões “Se a canoa não virar…” e “Deixa o chão tremer…”, que eram os momentos em que o samba mais se destacava e a comunidade mais cantava.

FANTASIAS

O conjunto estético desenvolvido por Alex Carvalho e Caio Cidrini foi outro ponto alto do desfile na questão da estética, da criatividade e dos materiais alternativos. A dupla mais uma vez mostrou um trabalho com assinatura própria.

As primeiras alas, em um setor que trata do mar, trouxeram tons de azul mais claro na indumentária. As fantasias “Vigarista à vista”, falando dos portugueses que, para justificar a invasão, criaram um Brasil mitológico; logo depois “Criaturas marinhas”, que representava a vastidão do mar e o desconhecido do que havia nele por parte dos exploradores daquele tempo; e “Assombrações litorâneas”, que tratou do fascínio pelo desconhecido que aportou no litoral brasileiro, no mesmo setor e no mesmo tom de azul, produziram um efeito estético e de colorimetria interessante.

No segundo setor, houve mais utilização de tons dourados. No último setor, a escola trouxe cores mais vivas ao retratar dimensões da cultura brasileira. Já os tons mais desbotados, como o da ala das baianas “Relatos sertanistas”, trouxeram o que o próprio nome da fantasia indica: anotações, cartas e documentos que permitiram e validaram as descobertas feitas durante as jornadas, funcionando como ferramentas de registro científico, histórico e pessoal.

No final, a literatura de cordel também estava retratada na última ala, em consonância com os tons do último carro.

ALEGORIAS

Assim como nas fantasias, as alegorias tiveram a assinatura dos carnavalescos. Com trabalho estético criativo, bem executado e utilização de materiais diferentes do uso comum, a escola mostrou ter superado o incêndio no pré-carnaval, apresentando três alegorias de muito valor estético.

O carro abre-alas, primoroso e alto, com o nome “Imponente Brasil Submerso”, trouxe uma ode às assombrações do mar, bioma pelo qual os falsos “descobridores” adentraram o Brasil. Na alegoria, a caravela, símbolo maior da expansão marítima europeia, dialogava com a fauna e a flora marinha, como uma espécie de navio metamorfo que representava o medo do desconhecido. Da lateral, saíam bolas de sabão.

Na segunda alegoria, “Quimérico Nativo”, a escola apresentou uma floresta diferente de tudo que já havia sido visto por aqueles que chegaram à praia: árvores de todos os tamanhos, misturadas com orquídeas, cipós, samambaias, arbustos e ervas. No chão, sempre molhado, raízes e mudas. A segunda alegoria da Vigário Geral retratou as florestas tropicais do Brasil com seus enxames de insetos e répteis.

A terceira alegoria, “Malassombro Sertanejo”, apresentou a dura vida de quem desbravou o Brasil profundo, resultando em um carro alegórico inspirado nos causos do sertão nordestino. Para tal conceituação, a estética cordelista foi inspirada na obra visual de J. Borges e na obra textual de Leandro Gomes de Barros, Patativa do Assaré e Cego Aderaldo.

Na figura central, o Cramulhão, meio monstro, meio humano, fruto da mestiçagem religiosa, sintetizava os temores do destino final dessa viagem no tempo e na alma brasileira. Carros de muita qualidade estética e criativa.

OUTROS DESTAQUES

A bateria “Swing Puro”, de mestre Luygui Silva, com a fantasia “Visagens da mata”, representou as aparições, assombrações, encantamentos ou seres sobrenaturais que povoam as florestas e tanto assustaram quanto fascinaram os povos locais e as expedições estrangeiras.

A rainha Patrícia Souza representou os rituais antropofágicos dos povos originários. Já os passistas da Vigário, com a fantasia “Bicho-fera”, representaram a onça-pintada, animal que causou muito espanto aos portugueses em sua chegada.

A presidente Betinha valorizou o trabalho de sua equipe, que superou o incêndio no barracão da agremiação.

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Com o enredo “Kunhã-Eté, o Sopro Sagrado da Jurema”, desenvolvido pelo carnavalesco Lucas Milato, a Unidos de Padre Miguel foi a quinta escola a passar pela Sapucaí, nesta primeira noite de desfiles da Série Ouro, com o tempo de 55 minutos.

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COMISSÃO DE FRENTE

Paulo Pinna, que também assina a coreografia da comissão do Salgueiro, estreou no Boi Vermelho da Zona Oeste apresentando, inicialmente, ainda na coreografia, guardiões da memória que firmam o pé e riscam no solo sagrado a potência de uma aldeia que não se curva ao invasor. Com indumentária indígena e pele tingida de vermelho, esses guardiões adentram o tripé que representou uma aldeia que floresce de troncos velhos, que se enraíza na força e na ancestralidade e que se curva para consagrar o seu povo. Nesse momento, os guardiões da memória se enroscam nas raízes da Jurema. Ajuremado, no giro do Toré, o pajé conduz e induz o ritual, evocando a ira terrena e suplicando pelo fulgor de almas ancestrais.

Nisso, surge a Kunhã-Eté, desbravadora, desconfiada, encaixando-se na sacralidade do passo marcado. Das águas sagradas do Rio Potengi, abençoadas pela Mãe D’Água e tingidas de urucum pelos potiguaras, surge a consagração: Kunhã-Eté, símbolo feminino. A pivô da comissão, representando Kunhã-Eté, nesse momento dança em um espelho d’água com efeito de chafariz. Do alto do tripé, da Jurema Sagrada, no clímax da comissão, surge a predestinação, em sangue quente, borbulhando nas veias de um corpo potente, emanando coragem, força e empoderamento. Uma comissão de nível de Especial pela sincronia da coreografia, encadeamento dos fatos apresentados, altíssima qualidade estética do tripé e do figurino dos componentes, que ainda brilhava e se destacava na luz cênica. Um dos melhores trabalhos de Paulo Pinna.

MESTRE-SALA E PORTA-BANDEIRA

O experiente casal Marcinho Siqueira e Cristiane Caldas estreou na UPM e encarnou o sangue potiguara, vermelho vivo como o urucum que tinge corpos e histórias. Ao vestirem-se de vermelho-sangue-urucum, o corpo indígena assume poder, beleza e proteção mágica, reafirmando sua ligação com a terra e com a Jurema Sagrada. O vermelho que dominou o casal é sangue que significa vitalidade e continuidade: o que escorreu para que a cultura sobrevivesse e se transformasse em canto.

A dupla apresentou uma coreografia muito intensa, utilizando-se de forma bem eficiente do espaço. No início, o casal buscava giros e rodopios. Cris emendou uma sequência de giros bem intensa. Depois da apresentação do pavilhão para os jurados, os dois se encontram e, no refrão do meio, fazem um passo indígena no trecho “Ê cabocla pele morena”; na segunda vez, Marcinho faz um passo de ritual dos povos originários. No geral, uma dança sem problemas aparentes, intensa, com a parte clássica do que se pede para o casal de mestre-sala e porta-bandeira, além de movimentos que remetem ao enredo de forma sutil, mas bem colocada na coreografia.

ENREDO

O enredo “Kunhã-Eté, o Sopro Sagrado da Jurema”, desenvolvido pelo carnavalesco Lucas Milato, trouxe uma homenagem à indígena Clara Camarão, símbolo da força potiguara que combina ancestralidade, espiritualidade e resistência. Dividido em três setores, inicialmente a Unidos de Padre Miguel apresentou o nascimento encantado de Clara, evocando a profecia xamã que anuncia sua vinda ao mundo, flechada pela Mãe D’Água e banhada pelas águas do Potengi. O segundo setor trouxe feitos históricos da Kunhã-Eté, exaltando sua participação em batalhas contra os invasores holandeses.

No último setor, Lucas Milato mergulhou no encantamento de Clara, sua transformação em entidade sagrada que habita a Jurema, eternizada como guardiã do povo, da floresta e da história. Enredo com a cara da Unidos de Padre Miguel, com ancestralidade, religiosidade, cultura e força de mensagem. Milato apresentou a história com diversidade nas fantasias, produzindo a estética indígena como pano de fundo, mas não só trazendo uma coleção de penas e palhas, e sim soluções criativas e foco no encadeamento da história.

EVOLUÇÃO

Apesar de terminar com a cronometragem máxima permitida, a Unidos de Padre Miguel soube dosar bem a sua passagem pela Sapucaí. Grande, a escola sabia que o ritmo não poderia ser tão arrastado. Então, deu um sprint de maior energia no início e chegou bem ao final sem ter que correr. Na pista, do componente, o que se viu foi alegria, espontaneidade, mas muita garra. O sangue nos olhos, que me permita Betinha da Vigário, esteve presente neste desfile da comunidade da Vila Vintém. Mesmo em algumas alas em que a fantasia era mais volumosa e o cansaço parecia bater, os foliões mantiveram o ritmo e a intensidade na dança e na alegria.

Por fim, não foram identificados buracos, grandes espaçamentos ou alas se embolando durante o cortejo da UPM pela Sapucaí. A escola trouxe poucas alas coreografadas, que deram um brilho maior ao desfile sem prejudicar a espontaneidade do componente, além de estarem bem alinhadas com o contexto do enredo, como foi o caso da ala cênica “A Batalha de Tejucupapo”, que falava justamente do embate ocorrido nesse lugar contra os invasores holandeses. O figurino duplo trazia as mulheres lideradas por Clara Camarão e os soldados holandeses.

HARMONIA

Se estamos falando de uma escola que faz desfile de Grupo Especial, essa agremiação precisa ter um intérprete de elite no carnaval. E a Unidos de Padre Miguel tem. O multicampeão Bruno Ribas mais uma vez mostrou toda a sua qualidade para liderar o carro de som do Boi Vermelho da Zona Oeste, tendo a companhia, entre outras, da voz potente feminina de Lissandra Oliveira, que, inclusive, iniciou o desfile cantando o alusivo do samba.

Bruno, com sua voz sedosa, única, com uma extensão vocal que compreende ir facilmente do grave ao agudo, ajudou a impulsionar mais um samba da Unidos que passou muito forte na Avenida. E, se a presidente Lara Mara pediu para o folião da Unidos de Padre Miguel “botar para fu…”, a comunidade respondeu com muita garra, mais uma vez, cantando o samba durante todo o tempo com energia, correção e intensidade.

SAMBA-ENREDO

O samba dos compositores Thiago Vaz, Jefinho Rodrigues, W. Corrêa, Richard Valença, Miguel Dibo e Cabeça do Ajax segue a predestinação da escola para colocar grandes obras na Sapucaí. Se, desde o esquenta, Bruno Ribas colocou a régua lá no alto cantando a obra do ano passado, o samba-enredo deste ano não ficou aquém. Com o andamento um pouco mais à frente, sem atrapalhar a força da divisão rítmica e da profundidade da melodia, a obra rendeu melhor que no ensaio técnico, interagindo com o público e fazendo com que a escola pulsasse, vibrando muito forte pela Sapucaí.

Com um refrão de baixo mais forte, mais profundo, convocando o componente a lutar em versos como “Vai, meu Boi Vermelho, honre a tua história” e “Quantas vezes for preciso, haverá renascimento”, essa parte mexe com o componente e é, com certeza, a mais cantada com força pela agremiação. Já o refrão do meio, “Quando ecoa o tambor…”, tem muita musicalidade, ritmo e balanço, leva a dançar, e a bateria “Guerreiros”, de mestre Laion, ainda fortaleceu essa parte com uma bossa de toada indígena. Alto rendimento da obra na Sapucaí.

FANTASIAS

O conjunto estético desenvolvido por Lucas Milato apresentou volumetria, qualidade estética, leitura, criatividade, bom gosto e uso de materiais de excelente qualidade, além do cuidado nos detalhes, como a presença constante de adereços de mão e alto nível de acabamento dos figurinos. No início da escola, o carnavalesco mesclou o vermelho característico da Unidos de Padre Miguel e a estampa indígena, trazendo para a Sapucaí um tapete de grande volume de penas bem desenvolvidas com xilogravura indígena, que ajudavam a fazer da cabeça da escola um grande culto à cultura indígena e às origens da homenageada.

Destaque para a primeira ala, “Troncos Velhos”, pela riqueza de detalhes e pela volumetria da fantasia, que vinha antes do abre-alas. Depois, temos na Unidos a aparição de um dourado, às vezes mais predominante na fantasia, outras em contraste com cores mais claras, como o verde e o azul das baianas no figurino “Kunhã Clara Guerreira”, que trouxe como símbolo a própria Clara Camarão. O traje evocou o movimento circular das águas e das florestas – o azul das saias dialoga com a proteção da Mãe D’Água, enquanto os grafismos indígenas e as folhas da mata reforçam a ligação espiritual e ancestral dos potiguaras. No final, a predominância do verde quando o desfile encerra ao falar do encantamento de Clara e da espiritualidade indígena. Destaque para a fantasia “Jurema Sagrada”, da ala 15, e “Encantamento da Mata”, logo em seguida. Trabalho primoroso de Lucas Milato. Alta qualidade estética.

ALEGORIAS

A Unidos de Padre Miguel trouxe para este desfile um conjunto alegórico formado por três alegorias, e todas apresentaram alta qualidade de acabamento, boa leitura, criatividade, volumetria, traço limpo nas esculturas e consonância com a estética das alas que vinham antes ou depois. O carro abre-alas, “A Consagração de Kunhã-Eté”, representou o momento em que a heroína Clara Camarão passou a carregar a missão de ser guerreira revelada pelas forças encantadas e ancestrais. O carro era composto por um corpo cilíndrico representando o Rio Potengi em tons vermelhos e, sobre a base, uma sucessão de elementos míticos, traduzindo a relação entre o mundo real e o encantado. Além disso, a alegoria possuía movimento na cauda da criatura aquática que vinha na parte de trás.

A segunda alegoria, “A Batalha de Guararapes”, trouxe o cenário das guerras luso-brasileiras contra a ocupação holandesa no Nordeste. Plasticamente, o carro apresentou um cenário de guerra. Na frente, leões sangrando, significando a derrota dos invasores. Nas laterais, o exército luso-brasileiro, composto por portugueses e indígenas. Este carro apostou no dourado. Já a terceira alegoria, “Território Encantado”, apresentou Clara Camarão deixando o plano dos homens e adentrando o plano encantado. O carro traz o verde de uma terra de encantaria, com as matas. Toda a sua estrutura é tomada por troncos, cipós e raízes. Grandes cabeças indígenas compõem as laterais. No centro, no alto, um cocar e o corpo radiante de Clara pintado em seu novo plano. Talvez seja a melhor alegoria que vai passar pela Série Ouro, carro de altíssimo nível estético e de muito volume.

OUTROS DESTAQUES

A bateria “Guerreiros”, agora sob a coordenação de mestre Laion Jorge, trouxe a fantasia “Invasores Holandeses”, assumindo a forma dos exércitos flamengos, militares que ocuparam o Nordeste. A bateria levantou a Sapucaí fazendo coreografia, inclusive realizando o gesto da flecha no trecho do samba “e seja a flecha viva da memória”, além das bossas bem encaixadas na obra.

A rainha Dedê Marinho veio com a fantasia “Resistência Indígena”, com o vermelho tomando todo o figurino, como se a terra estivesse viva no corpo da rainha através de LEDs. Bruno Ribas tacou fogo na Sapucaí ao cantar o samba do ano passado, “Egbé Iyá Nassô”, no esquenta. A presidente Lara Mara inflamou a escola em seu discurso antes do samba, lembrando da força de renascimento do Boi Vermelho.

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